Con guion de Andrés Duprat, los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat, un poco en la línea de sus dos obras anteriores dirigen “El ciudadano ilustre”, un largometraje argentino de 2016 que fue nominada en los GOYA a mejor película hispanoamericana aunque al final no fue premiada.
Se trata de una sátira que termina en tragedia y que al principio sobre todo parece prometer mucho, gracias sobre manera a una muy buena interpretación de Oscar Martínez su protagonista, pero a medida que avanza pierde fuelle y lo que queda es un exceso de tópicos y situaciones siempre previsibles que solo consiguieron cuando la vi que en lugar de hacerme reír y pasarlo bien, me aburriera. Actualmente está disponible en NETFLIX.
Cuenta con una puntuación en Filmaffinity de 7,1 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:
Daniel Mantovani, escritor argentino galardonado con el Premio Nobel de Literatura, hace cuarenta años abandonó su pueblo y partió hacia Europa, donde triunfó escribiendo sobre su localidad natal, Salas, y sus personajes. En el pico de su carrera, el alcalde de Salas le invita para nombrarle «Ciudadano Ilustre» del mismo, y Montavani, contra todo pronóstico, decide cancelar su apretada agenda y aceptar la invitación.
«Beautiful boy» es una película dramática de 2018 dirigida por el belga Felix van Groeningenen su primer film realizado en EE. UU. y grabado en inglés.
Narra por lo tanto no solo una historia real sino realista y creíble a pesar de su dureza y crueldad. El título del film coincide con una canción de Lenony la música tiene una presencia muy importante en todo el relato enfatizando cada salto temporal.
Los créditos al final de la película comienzan con este dato: «La sobredosis es la causa principal de muerte en EE.UU. por debajo de los 50 años» Solo esto ya justificaría una película así porque aunque se han hecho muchas películas sobre drogodependencias y esta no es la mejor, sin embargo no es una más por dos razones principales. Ni cae en el melodrama como otras porque narra sencillamente la cruda realidad y eso lo sabe cualquiera que haya tenido cerca un drogodependiente, ni se centra en el drama del adicto sino en el daño que este provoca en los seres que lo quieren en este caso principalmente su padre.
La película comienza con un diálogo entre el padre y un profesional al que acude solicitando información y al que dice esta frase demoledora:”He criado a un hijo, pensé que era un libro abierto para mí y he llegado a un punto en el que no sé quién es”. Un inicio que pone al espectador perfectamente situado para afrontar el drama que se va a vivir.
La fotografía está francamente bien, pero lo que de verdad es destacable en el film es el trabajo de edición al tratarse de una puesta en escena no lineal ni cronológica, similar a lo que ya se da en una película anterior del director y que ya comentamos «Alabama monroe«. En ambos casos Groeningen parece ofrecer momentos temporales aleatorios que pueden generar confusión en algunas personas por falta aparente de un patrón, pero que me parece un modo muy acertado porque en la lucha contra la adicción se dan estos saltos también, alternando momentos en el que parece que el enfermo se está desenganchando para no mucho más tarde darnos cuenta de que nos encontramos ante un salto atrás.
La historia es tremendamente cruda y el trabajo de los actores que dan vida a los personajes principales Steve Carell y Timothée Chalamet, padre e hijo respectivamente, es magnífico. No obstante el director aunque la película podría terminar de la peor manera y se entendería, opta por un final esperanzador. El largometraje está disponible en PRIME VIDEO y se lo recomiendo.
Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 6,4 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:
Crónica sobre la adicción a la metanfetamina de un chico adolescente y sus intentos por salir de la droga, a través de los ojos de su padre, que observa impotente a su hijo mientras lucha contra la enfermedad de la drogodependencia.
Drama romántico firmado por el director belga Felix van Groeningen que es también autor del guion junto a Carl Joos y basado en una homónima obra de teatro de Johan Heldenbergh que es además el protagonista de la película junto a la actriz Veerle Baetens.
¿Cuanto debe durar un duelo, como lo hay que vivir? Los humanos venimos a la vida sin prospecto y sin libro de instrucciones, desde que nacemos todo es improvisación por eso las tragedias nos afectan tanto y algunos se aferran a las religiones buscando alivio.
Alabama Monroe es sobre todo una historia de amor, entre un europeo fascinado por Norteamérica y su música Bluegrassy una chica tatuadora y bellamente tatuada entre los que surge el flechazo a pesar de las diferencias que se dan entre ellos. Él, agnóstico y soñador, ella sensible, religiosa y con los pies en la tierra. Todo su romance está aderezado y amalgamado por una música carismática que tiene su origen en la vieja Europa celta, pero que consigue su desarrollo en la Norteamérica Country. Seis años de pasión música y sexo finiquitados por un drama familiar de difícil superación.
Groeningen ha logrado una puesta en escena un tanto peculiar a base de recuerdos, similar a como funciona nuestro cerebro acercándonos los momentos buenos y los malos sin consecución temporal algo que lejos de complicar el entendimiento le otorga al relato una dinámica atractiva. Eso unido a una cuidada fotografía, la cautivadora música y la acertada actuación de los protagonistas, hacen recomendable esta película que actualmente se encuentra disponible en FILMIN.
A pesar de que personalmente he disfrutado con la película siento un excesivo aire melodramático que no me es ajeno y me molesta como también me parece fuera de lugar el alegato contra las religiones como causantes de todos los males que el protagonista lleva a cabo durante un concierto de su banda y que otorga un aire panfletario que de alguna manera recuerda el origen teatral de la historia, pero que en una película así no creo que proceda.
Cuenta con una puntuación de 7,2 en Filmaffinity y una SINOPSIS que dice lo siguiente:
Narra la historia de amor entre Elise y Didier. Ella tiene una tienda de tatuajes, él toca el banjo en una banda. Es amor a primera vista, a pesar de sus diferencias. Él habla, ella escucha. Él es ateo y un ingenuo romántico. Ella tiene una cruz tatuada en el cuello, y los pies en el suelo. Su felicidad se completa con el nacimiento de la pequeña Maybelle. Pero la niña enferma a los seis años.
Se trata de un largometraje de 2015 dirigido por Todd Haynes, creador de la serie Mildred Pierce. Un drama romántico escrito por Phyllis Nagy basándose en la novela homónima de Patricia Highsmith.
La historia está ubicada en el Nueva York de los años cincuenta y a Highsmith que un año antes había publicado “Extraños en un tren” la novela llevada al cine por Hitchcock, no se la quisieron publicar porque hablaba de una relación homosexual entre dos mujeres que además terminaba bien. Por esa razón finalmente lo hizo en 1952, pero con el pseudónimo de Claire Morgan y el título «El precio de la sal» y no fue hasta 1989 que se reimprimió con el título Carol y el verdadero nombre de la autora. En esa edición añadió un prólogo explicando las razones y satisfecha por considerar que con haberlo hecho ayudó probablemente a otras mujeres.
La película relata una hermosa historia de amor entre una mujer sofisticada y hermosa y una joven dependienta de unos grandes almacenes que aspira a fotógrafa profesional y que está descubriendo su homosexualidad. La primera representada por la actriz Cate Blanchett y a la joven le da vida la actriz Rooney Mara y ambas estás insuperables.
Eso unido a una puesta en escena de una plasticidad que me sobrecoge y que solo recuerdo haber vivido en «Deseando amar» de Wong Kar-wai, la fotografía de Edward Lachman propone un romanticismo de colores y luz que enamora. Y todo ello contando con un gran guion y una inmensa sensibilidad en el tratamiento de las imágenes hacen para mi de esta película una obra de arte. No se la pierdan, está disponible en PRIME VIDEO
Cuenta en Filmaffinity con 7 puntos y una SINOPSIS que dice lo siguiente:
Nueva York, años 50. Therese Belivet (Rooney Mara), una joven dependienta de una tienda de Manhattan que sueña con una vida mejor, conoce un día a Carol Aird (Cate Blanchett), una mujer elegante y sofisticada que se encuentra atrapada en un matrimonio infeliz. Entre ellas surge una atracción inmediata, cada vez más intensa y profunda, que cambiará sus vidas para siempre.
Room (La habitación) es el título de una película de 2015 dirigida por el director irlandés Lenny Abrahamson. Una ficción inspirada en la novela homónima de la dramaturga irlandesa Emma Donoghue que es además la autora del guion adaptado para el cine. La película, protagonizada por Brie Larson y el niño Jacob Tremblay, está disponible en NETFLIX y la actriz por este trabajo obtuvo un Óscar, un Globo de oro y un premio BAFTA.
La historia es tan horrible como poco creíble a no ser porque la contundente realidad nos ha demostrado a lo largo del tiempo que supera la ficción con creces y como afirmó la creadora de la novela en la que se basa, ella se inspiró para escribirla en el Caso Fritzl más terrible si cabe.
Lo hermoso de esta historia, si una historia como esta puede conservar algún tipo de hermosura, radica como dijo Boyero en su crítica, en la representación de un niño que no pierde la pureza aunque haya conocido el infierno y es que el trabajo del niño es merecedor también de un premio.
Por lo demás es una película honesta en su relato, de muy bajo coste y rodada prácticamente en una habitación. Aunque poco más encuentro por destacar excepto que a pesar de la tragedia que encierra, resulta para el espectador una película emotiva y luminosa lo que denota un buen trabajo de dirección
Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 7,7 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:
Para Jack, un niño de cinco años, la habitación es el mundo entero, el lugar donde nació, donde come, juega y aprende con su madre. Por la noche, mamá lo pone a dormir en el armario, por si viene el viejo Nick. La habitación es el hogar de Jack, mientras que para su madre es el cubículo donde lleva siete años encerrada, secuestrada desde los diecinueve años. Con gran tesón e ingenio, la joven ha creado en ese reducido espacio una vida para su hijo, y su amor por él es lo único que le permite soportar lo insoportable. Sin embargo, la curiosidad de Jack va en aumento, a la par que la desesperación de su madre, que sabe que la habitación no podrá contener ambas cosas por mucho más tiempo.
Secretos de un matrimonio es una miniserie de cinco episodios que la cadena HBO anunció como un remake de la serie homónima de 6 episodios que realizara el maestro Ingmar Bergman hace casi cincuenta años. El encargado para llevarlo a cabo sería el escritor, director y productor israelí Hagai Levi conocido por la creación de la popular serie BeTipul y su adaptación en EE. UU. donde se tituló «En terapia» y que también comentamos en este blog.
Sobre los actores que darían la réplica a Liv Ullmann, Erland Josephson, también hablamos cuando comentamos “El año más violento» por tratarse de la pareja protagonista Oscar Isaac yJessica Chastaind que a mi entender son también lo mejor de este remake pues entre ellos se atisba una química especial que no siempre se da.
En esencia, la miniserie de Bergman disponible hoy en FILMIN para quien desee volver a verla o por si no la vio en su día, disecciona en sus seis episodios la situación real de un matrimonio de éxito a los ojos de los demás.
Sustancialmente en la miniserie actual es lo mismo, eso y la entrevista para la revista o la cena con los amigos que tiene lugar al principio, pero a partir de ahí se dan sustanciales cambios, no solo de roles, en esta serie es ella la empoderada, la que goza de una buena posición profesional y la que rompe el matrimonio, sino también por la actualización de los diálogos y las formas más propias de nuestro tiempo.
He leído por ahí que Daniel, hijo de Bergman y fan de la serie En terapia, solicitó o encomendó a Levi la actualización al día de hoy de la serie de su padre, misión harto complicada dado su legendario carácter.
En mi opinión la actual es más llevadera porque también es menos densa y personalmente creo que podría acabar en el cuarto episodio porque el último capítulo, pleno de erotismo y sensualidad, puede resultar muy agradable como cierre, pero no aporta nada a la historia.
Si es necesario comentar la original decisión del showrunner de iniciar cada uno de los capítulos con tomas de los actores dirigiéndose al escenario y preparando los últimos detalles para entrar en acción y continuar con el episodio, mientras que la escena final con los créditos ya encima toma imágenes de los actores dirigiéndose a sus respectivos camerinos.
Otra característica destacable son las imágenes, la cámara se mueve continuamente con los personajes, observándolos de cerca, espiándolos de lejos, haciéndonos partícipes de sus susurros y comentarios. Somos testigos hasta el morbo de sus miserias, miedos y fragilidades. En definitiva, la miniserie me ha gustado y por eso se la recomiendo.
Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 7,1 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:
Adaptación de la miniserie homónima de Ingmar Bergman, de 1973. Reexamina la representación icónica del amor, el odio, el deseo, la monogamia, el matrimonio y el divorcio a través de la perspectiva de una pareja estadounidense contemporánea.
Sorteando convencionalismos persiguiendo un sueño.
Película de 2019, ópera prima de la directora japonesa Mitsuyo Miyazaki aunque firma como Hikari y que es autora también del guion. Su duración es de 115 minutos y está protagonizada por la actriz aficionada con diversidad funcionalMei Kayama representando a Yuma Takada una talentosa joven que quiere triunfar en el mundo del Manga.
El título del film hace alusión al tiempo que el personaje estuvo sin aire al nacer lo que le provocó una parálisis cerebral con secuelas que afectan a su movilidad, pero que no le impiden dibujar y crear historias de éxito. A pesar de su talento, la sobre protección de su madre y la discriminación social le impiden conseguir el sueño de abrirse camino como dibujante.
Cuando por fin encuentra una editora dispuesta a reconocer su talento y publicar sus comics, también le dice que a través de los dibujos observa su carencia en cuanto a experiencias en el amor y el sexo por lo que le recomienda vivir mundo y volver con dibujos de mayor realismo, más convincentes en lo que respecta a las escenas de sexo.
Yuma encerrada en la burbuja creada por la excesiva protección de su madre, temerosa de que le ocurra algún mal, se ve obligada a moverse prácticamente de manera clandestina, en un mundo hasta entonces totalmente desconocido para ella. Y por fin, ayudada por mujeres profesionales del sexo, logra su doble objetivo de encontrarse a sí misma por una parte y el reconocimiento profesional por otra.
A pesar de la delicada temática, la directora ha logrado el equilibro necesario de humanización y visualización de un problema que sufren miles de diverso funcionales sometidos a la invisibilidad, el ostracismo y la incomprensión incluso en el seno de sus propias familias y lo consigue sin caer en sensiblerías ni sentimentalismos excesivos.
En definitiva una película espléndida e instructiva en lo que se refiere a la vida independiente que todos deseamos y por la que nuestra protagonista, que vive a la sombra de los demás hasta que se impone, lucha denodadamente. Se la recomiendo, está disponible en NETFLIX.
Cuenta en Filmaffinity con una calificación de 7 puntos y una SINOPSIS que dice lo siguiente:
Yuma es una joven japonesa que sufre de parálisis cerebral. Dividida entre sus obligaciones familiares y su sueño de convertirse en una artista de manga, lucha por llevar una vida independiente.
