TENET

Actualización fallida del 007

Tenet es el título de la última película de  Christopher Nolan que ha sido escrita, dirigida y producida por él mismo y que, habiendo sido estrenada en agosto del pasado año en el Reino Unido, actualmente podemos ver en Movistar+. Las principales actuaciones cuentan con los actores  John David Washington (que recientemente vimos en Malcolm & Marie), Robert PattinsonElizabeth DebickiDimple Kapadia, el prolífico actor británico Michael Caine  y el irlandés Kenneth Branagh que en este caso le tocó adoptar el papel del malo malísimo.

Me gustaría empezar por hablar de lo que para mí es, lo mejor de la película, sus efectos visuales que no en vano le ha valido el reconocimiento de la Academia con la concesión de un Óscar, pero lo hago para continuar diciendo que lo peor me parece su guion. Nos vendieron la película de una manera exagerada y mentirosa porque la única verdad es que ha costado por encima de los cuatrocientos millones y la mayor parte de los efectos visuales se han efectuado en la sala de edición de vídeo con ralentizaciones, marcha hacia atrás y hacia adelante, grabaciones con cámara ralentizada, etc., en cuanto al conjunto una versión moderna del 007, agente británico en este caso de color, ayudado por un sabio de medio pelo que parece dominar todos los aspectos de la ciencia, un malo malísimo que, a pesar de tener la llave del fin del mundo, asusta mucho menos que el Dr. No y una guapa que no le llega a Ursula Andress a los talones. Y en cuanto a los artilugios, la bala que viaja hacia atrás de manera temporal no deja de ser un inventivo a la moderna del zapato teléfono del agente 086 de los 70 o el bolígrafo pistola del agente 007, nada nuevo bajo el sol.

Tenet es en este filme de ciencia-ficción, algo así como un algoritmo, concepto matemático supermanipulado y tan desconocido para la vasca como las paradojas físicas que rodean la física cuántica. Mimbres muy adecuados para manipular y dividir a los espectadores entre aquellos a los que la película nos parece una tontería y los otros que presumiendo de entenderla aunque la hayan tenido que ver en tres ocasiones y dando para atrás y para adelante y seguir sin conseguirlo, se crean más inteligentes. No faltan entre estos, aquellos que se han sumergido en esta, pero afirman que a Buñuel o Lynch no hay dios que los comprenda, confundiendo una vez más la ignorancia con la estupidez.

Cuenta en Filmaffinity con una puntación de 6,4 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Armado con tan solo una palabra –Tenet– el protagonista de esta historia deberá pelear por la supervivencia del mundo entero en una misión que le lleva a viajar a través del oscuro mundo del espionaje internacional, y cuya experiencia se desdoblará más allá del tiempo lineal.

Pero a mi juicio, además de lo dicho, la película transmite el mensaje ultra liberal que acredita la ideología derechista de su creador. La sociedad camina hacia la nación empresa-estado, independientemente de la voluntad del pueblo porque los políticos no son otra cosa que marionetas en la nómina de los consorcios económicos que dominan todas las esferas del poder, así es que mejor nos dejamos llevar. Además para hacer esto, no duda en echar mano de la teoría del «Diagrama de Feynman» en los cuales los positrones son igual a los electrones, pero viajando hacia atrás en el tiempo, sin hacer mención obviamente porque se trata de ficción y no de ciencia, de la liberación de fotones que en las deliberaciones de Feyman tienen lugar. En este sentido, habría que agradecer a Nolan según los casos, que las dudas que crea en el espectador provoquen el interés de estos por la ciencia y como yo, intenten buscar respuestas como las dadas por el Instituto de Física Teórica IFT.- Ver vídeo:

SoundTrack de la película en SPOTIFY:
Fernanda Solórzano de LETRAS LIBRES habla en «Cine aparte» de TENET

Y la Venezolana afincada en Madrid Sabrina Tortora, más inteligente y guapa que yo, explica en su canal de Youtube las claves pseudo científicas utilizadas por Nolan en Tenet:

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Libertad

Somos la prolongación de nuestro pasado.

El pasado viernes 26 de marzo, se estrenó LIBERTAD en la plataforma Movistar+, el último trabajo de Enrique Urbizu, autor entre otras de «No habrá paz para los malvados» o «Gigantes«. Una historia de bandoleros en formato miniserie de 5 episodios de 50 minutos cada uno, que con guion de Miguel Barros y Michel Gaztambide, se detiene en la vida de Lucía «La Llanera«, una forajida que iniciando el siglo XVIII fue indultada tras pasar 17 años cautiva con el hijo que parió entre rejas. Mientras tanto, el mismo día y en los cines de todo el país se estrenaba una versión homónima, más reducida de 138 minutos, pensada para pantalla grande que no he visto y de la que por lo tanto, no voy a opinar.

Un hombre es ahorcado y desmembrado para que sus trozos repartidos por orden del gobernador sirvan de advertencia. Buena manera de comenzar un Western a lo Urbizu, temporalmente ubicado en una España mal recordada que sin embargo tuvo la oportunidad de cambiar nuestro presente y no la aprovechó.

Se respira algo romántico en los paisajes y las gentes recreadas por Urbizu y algo lírico en los ojos azules de un niño casi recién nacido y ya huérfano en medio de la nada, cuya belleza pueda ser lo único que lo salve si alguien depara en ella, pero no mucho más porque aunque nos evoca los episodios ya viejos de Curro Jiménez que emitió RTVE mediados los 70 y que todavía perduran en nuestro recuerdo, esta no los supera y entretiene menos.

Describe bien aquella época previa a la guerra de la Independencia Española que también pintara Goya con los escopeteros del rey fusilando en los caminos. Decía Pío Baroja que “En buena parte somos la prolongación de nuestro pasado, el resultado de un recuerdo” y nosotros venimos también de esa España que pudiendo haber apostado por la libertad, la igualdad y la fraternidad, optó por apoyar la monarquía.

Aunque el casting está bien, la vestimenta correcta y los escenarios bien elegidos con despliegue de caballos y armas de la época de todos los colores y formas, me ha parecido lenta por momentos y además si yo hubiera tenido alguna capacidad de elegir, no hubiera optado por la valenciana Bebe (María Nieves Rebolledo Vila) para dar vida a La Llanera.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 5,5 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

5 episodios. Una mujer apodada La Llanera sale de prisión tras 17 años. Durante su encierro, ha sido sentada todos los años en el garrote vil e indultada en el último momento. Su hijo Juan nació en la celda y no conoce a su padre, el célebre bandolero Lagartijo. Madre e hijo intentarán vivir la libertad que tantos años les ha sido negada mientras son perseguidos por cuadrillas de bandoleros y escopeteros del Gobernador. Lagartijo, Aceituno y el Gobernador buscan a La Llanera, pero también se buscan entre sí. En la España del siglo XIX no hay sitio para todos, y mucho menos para traidores.

SoundTrack de la serie en Spotify:
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La boda de Rosa

Película intrascendente donde las haya

«La Boda de Rosa» rodada en Valencia y estrenada en 2020 en el  Festival de cine de Málaga, es el título de la última película de  Icíar Bollaín interpretada en el papel protagonista por Candela Peña. No creo que la directora se sienta orgullosa por el resultado, ni ella ni su protagonista porque tampoco veo que sea esta su mejor representación. Obtuvo ocho nominaciones a los Goya, pero solo recibió el de música (Canción Que no, que no) de Rozalén y mejor actriz de reparto a Nathalie Poza, a mi juicio el modo que ha tenido la academia de decir que para este viaje no era necesario tanta alforja.

Parece pretender algo que no logra alcanzar, con lo que pasará a la historia como una comedia intrascendente que no veo destaque en nada excepto en lo único que encuentro bueno, lo poco que dura, menos de 100 minutos de entretenimiento sin más.

Cuenta en filmaffinity con una puntuación que me parece excesiva de 6,3 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

A punto de cumplir 45, Rosa se da cuenta de que ha vivido siempre para los demás y decide marcharse, dejarlo todo y apretar el botón nuclear. Quiere tomar las riendas de su vida y cumplir el sueño de tener un negocio propio. Pero pronto descubrirá que su padre, sus hermanos y su hija tienen otros planes, y que cambiar de vida no es tan sencillo si no está en el guion familiar.

SoundTrack en Spotify que cuenta con la canción de Rozalén galardonada con el Goya:
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Small axe

Miniserie con inspiración documental

Con el trasfondo de la discriminación racial que sufrieron los inmigrantes antillanos por parte de la comunidad blanca entre la década de los 60 y los 80, el cineasta londinense de ascendencia «afrocaribeña» Steve McQueen, nos obsequia con la serie Small axe (Pequeña hacha) título que hace alusión a una canción de Bob Marley & The Wailers de 1973, en la que se equipara a los blancos con un grueso árbol y a los negros con el hacha pequeña, pero muy afilada y dispuesta para echarlo abajo. 

Comienzo así porque se trata de una serie singular en la que la banda musical tiene gran importancia, entendiéndola además como el conjunto de sonidos y silencios que nos ubican y ayudan a ir asimilando toda la narración. He de confesar que siempre tuve claro la gran discriminación ejercida contra los afroamericanos en EE.UU., pero en los 80 no tenía conciencia de la que sufría en Londres, la comunidad de color de origen caribeño, por lo que esta miniserie, me ha causado gran impacto y alimentado aún más mi enérgica condena ante todo tipo de discriminación y aumentado mi odio hacia quien la practica o fomenta.

Small Axe (1992) – Bob Marley & The Wailers

Además del compromiso social ante el colectivo, su creador, director y guionista exhibe una gran técnica a la hora de iluminar y manejar la cámara para obsequiarnos contraplanos, contraluces, planos secuencia, etc., que pueden deleitar al espectador.

Se presenta con estructura de miniserie, pero realmente se trata de una antología compuesta por cinco películas diferentes tanto en temática como en duración, unas más que otras pero todas buenísimas a mi juicio. Por ello me referiré por separado a cada una, teniendo en cuenta que a pesar de estar viendo una historia de ficción en el sentido de que se trata de actores al servicio de una puesta en escena, todos los hechos que recrea son reales y algunos de sus protagonistas continúan vivos como podemos ver seguidamente.

Episodio 1.- El Mangrave (2:07:47): Es la de mayor duración y el nombre corresponde al del restaurante propiedad de Frank Crichlow al que da vida de excelentes maneras el actor británico Shaun Parkes, aunque todo el casting hace un muy buen trabajo. El restaurante se había convertido en el centro de la comunidad antillana, y por extensión en el foco de la represión policial. Impotentes y desamparados por la ley, deciden organizar lo que se denominó «Marcha de los Manglares» que a su vez provocó encuentros frontales con la policía y la consiguiente detención de nueve activistas que son llevados ante el juez con graves acusaciones de orden público por parte de la fiscalía, dando lugar a un juicio cuya puesta en escena supera con creces en mi opinión, la de «El juicio de los 7 de Chicago» comentado también en este blog.

Episodio 2.- Lovers rock (Amantes del rock): Con la inventada historia de amor entre dos jóvenes que acuden a una fiesta de reggae romántico, este episodio de una hora y diez minutos de duración nos sumerge en una atmósfera increíblemente atractiva, plena de sensualidad, romanticismo y buena música, organizada en un domicilio privado debido a que los negros eran discriminados en las discotecas y locales de ocio. Nada más y nada menos que eso, pero transcurridos 20 minutos ya estaba lamentando no encontrarme entre aquellos cuerpos que bailaban, cantaban y se rozaban voluptuosamente y en concordia mientras contorneaban sus cuerpos siempre al mandato de la música y dirigidos por los Dj.

Episodio 3.-Rojo, blanco y azul: En este episodio se narra la historia de Leroy logan, escritor y jubilado de la policía, presidente durante 30 años de la Black Police Association. Inmigrante de padres jamaicanos que logró labrarse un porvenir estudiando hasta entrar a trabajar en la Universidad, pero que decidió ingresar en la policía metropolitana londinense con intención de cambiar los malos hábitos y praxis que se llevaba a cabo con la comunidad afrocaribeña, encontrándose con la oposición de su propio padre y el rechazo xenófobo de sus compañeros. Lo representa en la pantalla John Boyega mediante una gran labor interpretativa.

Episodio 4.-Alex Wheatle (1:05:58): Alex Wheatle cuenta hoy con 58 años y es un reconocido y galardonado escritor británico de literatura infantil y para adultos como el libro del que es autor «Brixton Rock«. Nació en Londres de padres jamaicanos que se desentendieron de él a muy corta edad por lo que pasó media vida en instituciones oficiales. En este episodio, representado por el actor Sheyi Cole (siendo este su primer papel) se narra esa parte de su vida precisamente, desde padres de acogida con los que no congenió, orfanatos, centros tutelados, hasta terminar en una institución penitenciaria por participar en los disturbios de Brixton del 81. Un rastafari compañero de celda lo inició en la literatura, sacándolo de alguna manera de la espiral en la que estaba metido. Excelente capítulo de la serie en el que la música vuelve a ser un componente esencial.

Episodio 5.- Education(1:03:12): Este quinto y último episodio es un poco diferente al resto, empezando porque el personaje, al que da vida el actor Kenyah Sandy, es ficticio y fue recreado para contar una discriminación solapada dentro del ámbito educativo en las primeras etapas escolares que fue descubierta y combatida por un grupo de mujeres que demostraron que los niños negros eran llevados a colegios que denominaban para subnormales del que nunca saldrían en condiciones de poder competir con el resto de los ciudadanos en igualdad. De los cinco episodios, este es el más complicado de digerir, pero también permite añadir un poco de humanidad y esperanza ante tanto desasosiego.

La serie se estrenó en el Reino Unido en noviembre de 2020, pero tuvo un estreno mundial como inauguración del 58 ° Festival de Cine de Nueva York el 17 de septiembre de 2020 y a España llegó a través de la plataforma de Movistar+. Espero disfruten de la que sin duda pasará a ser una de las mejores series del año, sino la mejor.

Aunque tan solo han votado (en el momento que lo consulto) 210 personas, cuenta en Filmaffinity con 7,3 puntos y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Miniserie de antología de cinco entregas, con el racismo sufrido por la comunidad negra en Londres en las décadas de los 60, 70 y 80 como tema central. Episodios: 1. Mangrove 2. Lovers Rock 3. Red, White and Blue 4. Alex Wheatle 5. Education. El título alude a la frase de una canción de Bob Marley, «If you are the tall tree, then we are the small axe». 

SoundTrack de la serie en SPOTIFY:
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Comentario sobre la serie a cargo de Alejandro G. Calvo de Sensacine

Antidisturbios

Sin temor a equivocarme podría afirmar que Antidisturbios es una de las mejores sino la mejor serie española con la que me he topado. Ha sido creada por la pareja formada por  Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen, que ya colaboraron juntos en Que Dios nos perdone y El reino; en esta ocasión trabajando para Movistar+, y que se estrenó en la cadena el pasado viernes día 16 de octubre tal como estaba anunciado.

Se trata de una miniserie compuesta por 6 episodios de menos de una hora. Un auténtico thriller policial al que no eché en falta ingrediente alguno, intriga, corrupción, tensión, pasión, manipulación, acción trepidante y suspense y aunque pondría algunos peros al desenlace, creo que se trata de un trabajo bordado, llamado a ser premiado allá donde se presente.

Magnífico guion, buena dirección, fotografía y acción. Los dos primeros episodios mantienen una tensión que te hace vibrar y en las imágenes de acción impresiona el modo en el que la cámara sigue a todos los que participan en la misma, convirtiendo al espectador en uno más de ellos.

El Casting muy acertado, con una magnífica Vicky Luengo como funcionaria de la oficina de asuntos internos, o Raúl ArévaloÁlex GarcíaHovik KeuchkerianRoberto Álamo, Raúl PrietoPatrick Criado, dando vida al grupo de la policía antidisturbios que llevan a cabo un muy buen trabajo también.

Soundtrack de la serie en SPOTIFY:
Programa de la serie

Cuenta con una puntuación en Filmaffinity de 8,1 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Miniserie de TV. 6 episodios. Seis antidisturbios ejecutan un problemático desahucio en el centro de Madrid, pero el desalojo se complica y sucede una tragedia. Un equipo de Asuntos Internos de la Policía será el encargado de investigar los hechos, ante los cuales los seis antidisturbios podrían enfrentarse a una acusación de graves consecuencias. El grupo de agentes busca una salida por su cuenta, complicando aún más la situación. La joven Laia Urquijo, una de las agentes de Asuntos Internos, se obsesiona con el caso y comienza a investigar, descubriendo poco a poco mucho más de lo que jamás hubiera imaginado.

TRAILER OFICIAL
Crítica de Alejandro G. Calvo de Sensa Cine

Llegar a ser Dios en Florida

De 10 episodios de aproximadamente una hora cada uno, se compone la primera temporada (se encuentra una segunda temporada en marcha) de esta serie de humor negro norteamericana, visible en Movistar+ y que originalmente se tituló On Becoming a God in Central Florida.

Es difícil estar triste cuando haces algo por alguien, dice uno de los personajes de la serie, lo mismo que es difícil no enamorarse de esa mujer y su bebé, Krystal Stubbs, su protagonista, a la que da vida de manera soberbia la actriz estadounidense Kirsten Dunst, sobre la cual recae el peso del casting.

La comedia entretiene y mantiene pendiente al espectador de principio a fin, alternando situaciones cómicas con momentos dramáticos o incluso trágicos sin perder nunca el hilo de la trama, la tiranía piramidal como argumento del milagro americano, estructura empresarial basada en marketing multinivel que proliferó en los años 90 que es cuando se desarrolla la trama en Florida.

Producida por George Clooney y la propia actriz protagonista, son sus creadores y guionistas, Robert Funke y Matt Lutsky, encargándose de la dirección Yorgos Lanthimos.

¿Qué es Norteamérica más que el hogar de los valientes y la tierra de los millonarios y qué es más norteamericano que tener tu propio negocio? afirman los que defienden el sistema multinivel. Pero es destacable que aun cuando de algún modo, la serie denuncia a las empresas multinivel, que nacieron en aquel país pero que en el nuestro también llegaron a ocupar un espacio en el mundo empresarial y que todavía operan como Amway, Avon o Herbalife, no carga especialmente las tintas y si hace un buen seguimiento de su manera de operar y de como se aprovechan del deseo de prosperar de individuos con dificultades, perdidos en la mediocridad de las estructuras empresariales convencionales y que a la postre solo consiguen empeorar su situación.

Programa de la serie

Cuenta en Filmaffinity con una valoración de 6 puntos y su SINOPSIS dice así:

La historia se sitúa a principios de los años 90 y cuenta la historia de Krystal Gill, una mujer trabajadora que, como muchos americanos, cobra el salario mínimo. Trabaja en un parque acuático de Orlando y sobrevive gracias a su marido, un fuerte apoyo para ella. Sin embargo, la tragedia la alcanza cuando se queda viuda y prácticamente en la calle. Cobrando lo que cobra no puede permitirse vivir como estaba acostumbrada, así que debe buscar su propio camino e intentar alcanzar el famoso «sueño americano». Eventualmente, escala en las filas de Founders American Merchandise: el esquema piramidal multimillonario que llevó a su familia a la ruina.

Banda sonora en Spotify
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El precio de un deseo

Aunque parece estar inspirado o basado en la serie “The Booth At The End (La cabina al final)” que tuvo cierto éxito en la televisión norteamericana, ignoro las razones que movieron al director italiano Paolo Genovese a crear y escribir el guion junto a Isabella Aguilar porque no le encuentro la gracia ni el motivo.

Disponible en Movistar+, el formato es teatral, sobrio y facilón aunque se hubiera podido complicar y mejorar enormemente. El protagonismo corre a cargo del actor italiano Valerio Mastandrea que se limita a mantener, con cara de póker, unos brevísimos diálogos con diez personajes que desean hacer cambios en el rumbo de sus vidas.

Según mi juicio, la historia parece decirnos que siempre estamos a tiempo de no hacer aquello que nuestros bajos instintos o las influencias no deseadas nos dictan, pero si aun así lo hacemos es nuestro problema, no busquemos excusas aunque estemos seguros de que las razones que nos mueven son, no solo diferentes sino incluso mejores de las que empujan a otros a hacer lo que hacen.

Ya sabemos lo pronto que detectamos en los demás los errores que en nosotros somos incapaces de ver, juzgándolos duramente a ellos mientras buscamos millones de excusas para perdonarnos hasta el punto de derivar la responsabilidad de nuestros actos hacia terceros o circunstancias sociales que parece solo a nosotros afectan.

Cuenta en Filmaffinity con 6,3 puntos y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

En un bar llamado The Place, un hombre ve entrar y salir a diez personajes, todos los días, que vienen a hablar con él. Este les da indicaciones sobre cómo satisfacer los propios deseos; de hecho, estipula con ellos un contrato; ser más hermosa, pasar una noche con una estrella del porno, salvar al hijo, recuperar la vista y encontrar a Dios son solo algunos de los deseos que los varios personajes exponen al hombre del bar. “Puede hacerse”, responde él, mientras escribe en su agenda. Pero hay que pagar un precio, casi siempre altísimo: robar una buena suma de dinero, poner una bomba en un local, violar a una mujer… Si se lleva, el deseo está garantizado. Cada uno de ellos decidirá si acepta o rechaza el acuerdo.

BANDA SONORA original del film en Spotify
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