El blues de Beale Street

Dicen que hay que vivir la vida que te toca para que tus hijos puedan ser libres

If Beale Street Could Talk que en el mercado hispano se conoce como El blues de Beale Street es una película de 2 horas de duración escrita y dirigida por Barry Jenkins, creador de «El ferrocarril subterráneo» y «Moonlight» de las que hemos hablado en este mismo blog.

Se estrenó en 2018, está basada en la novela homónima de James Baldwin y se encuentra actualmente disponible en FILMIN. Comienza con esta cita de la novela del creador de la historia original: «Beale Street es una calle de Nueva Orleans en la que nacieron mi padre, Luis Armstrong y el jazz. Cualquier persona negra nacida en EE. UU., lo hizo en Beale Street, aunque haya nacido en Jackson, Mississippi o Harlem. Beale Street es nuestro legado. Esta novela trata sobre la imposibilidad, la posibilidad y la necesidad imperativa de expresar este legado. Beale Street es una calle ruidosa. Queda a discreción del lector encontrar sentido al ritmo de los tambores.( James Baldwin )».

Aunque fue Regina King quien obtuvo un Óscar en 2019 a mejor actriz de reparto por este filme, una excelente dirección de actores consigue que todos queden muy bien.

Se trata de una historia de amor, una más con obstáculos en el camino, a no ser por el trabajo del tándem formado por estos cineastas de lujo que son Jenkins  y Laxton dando muestra una vez más de su talento a la hora de crear un lenguaje visual único. El juego de planos y contraplanos, color, luz y una excelente banda musical responsabilidad de Nicholas Britell, consiguen generar una poesía que enamora y que recuerda inevitablemente el cine de Wong Kar-Wai. La recomiendo como una buena película.

de

Cuenta con 6,6 puntos en Filmaffinity y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Basada en la novela de James Baldwin, «If Beale Street Could Talk», la película sigue a Tish, una mujer de Harlem embarazada y recién prometida que lucha contrarreloj para demostrar la inocencia de su pareja. 

BANDA SONORA DE LA PELICULA
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El ferrocarril subterráneo

Las mayores crueldades son cometidas por aquellos que creen que solo es auténtica su verdad.

De diez horas de magnífico cine, repartidas en 10 episodios, se compone esta miniserie producida por Amazon Prime Video y ya visible en la plataforma.

Barry Jenkins que también dirigió la oscarizada Moonlight de la que ya di cuenta en 2017 cuando la vi en las salas de cine, es el director de esta miniserie cuyo título original es «The Underground Railroad» y a la vez, coautor del guion adaptando la novela homónima del escritor neoyorquino Colson Whitehead.

Se da el caso de que Whitehead obtuvo el premio Pulitzer por este libro en 2017 y 3 años más tarde lo obtuvo de nuevo por su novela «The Nickle Boys» ingresando así en el selecto grupo de doble ganador de los Pulitzer.

El título hace alusión al «ferrocarril subterráneo o clandestino«, pero el llamado underground railroad, no fue un ferrocarril ni fue subterráneo. Fue una red clandestina organizada por el movimiento abolicionista para ayudar a escapar a esclavos a través de una serie de rutas y conexiones a lo largo y ancho de Estados Unidos e incluso fuera de sus fronteras, hasta Canadá.

Se trata, por lo tanto, de una obra de ficción con el trasfondo de una red clandestina que si existió. Cuenta con un buen guion, pero sobre todo con el duo formado por el director y el fotógrafo James Laxton que ya funcionó de manera conjunta en la anteriormente mencionada Moonlight y que consiguen un lenguaje visual que funciona maravillosamente, imprimiendo belleza, color y dramatismo a una obra de por sí trágica, sobre uno de los episodios más denigrantes de la historia.

Aunque el protagonismo se lo lleva la actriz sudafricana Thuso Mbedu dando vida a la joven esclava Cora, todo el grupo de actores está tan magníficamente dirigido por pequeño que sea su papel, que no resulta fácil definir quien pueda destacar al margen de ella.

La magia visual que logra este tándem es única, convirtiendo el viaje clandestino de la frágil y sensible Cora perseguida por un cazador de esclavos de obcecadas convicciones, en un relato demoledor y sensible a partes iguales. La miniserie contiene textos y actuaciones de personajes que resultan tan rabiosamente actuales en estos momentos de resurgimiento de las derechas empeñadas en reimplantar tendencias conservadoras y religiosas, que da un poco de miedo.

Ha sido considerada por Alejandro G. Calvo de Sensacine como una de las 13 mejores series estrenadas en 2021 y yo la recomiendo encarecidamente al tiempo de advertir que es muy dura.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 6,6 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Serie de TV (2020). 10 episodios. Cora es una joven esclava de una plantación de algodón en Georgia. Abandonada por su madre, vive sometida a la crueldad de sus amos. Cuando César, un joven de Virginia, le habla del ferrocarril subterráneo, ambos deciden iniciar una arriesgada huida hacia el norte para conseguir la libertad. ‘El ferrocarril subterráneo’ convierte en realidad una fábula de la época e imagina una red de estaciones clandestinas unidas por raíles, bajo tierra, que cruzan el país. En su huida, Cora y César recorrerán diferentes estados, y en cada parada se encontrarán un mundo completamente diferente, mientras acumulan decepciones en el transcurso de una bajada a los infiernos de la condición humana. Aun así, también habrá destellos de humanidad que les harán mantener la esperanza. Adaptación de la aclamada novela de 2017 «El ferrocarril subterráneo», escrita por Colson Whitehead, por la que recibió el Premio Pulitzer 2017 y el National Book Award.

SOUNDTRACK DE LA SERIE
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The tender bar

Las cosas no son más que lo que son.

Procedente de la factoría AMAZON, se acaba de estrenar a nivel mundial en PRIME VIDEO «The tender bar» que para el mundo hispano se ha traducido como «El bar de las grandes esperanzas». Última película dirigida por  George Clooney, con guion de William Monahan, adaptando la novela homónima y autobiográfica del escritor y periodista norteamericano ganador de un Pulitzer, JR Moehringer. Se trata de un filme dramático protagonizado por Ben Affleck , Tye Sheridan , Daniel Ranieri, Lily Rabe y Christopher Lloyd.

No he leído la novela y parece que la dirección ha aportado poco al margen de la propia interpretación de un buen guion adaptado. Cuenta para mi gusto con una correcta fotografía y un color y ambientación de aire ochentero.

Buena parte de la acción transcurre en el Bar Dickens regentado por el tío (Ben Affleck) de JR y proveedor tanto de consejos como de los libros que a la postre conformaron el estilo que en la vida real convirtió al niño en escritor. Dirección correcta de una película sencilla y sin pretensiones, pero agradable de ver con el telón de fondo, una vez más, del cuestionamiento del milagro americano.

Cuenta con 6 puntos en Filmaffinity y una SINOPSIS que dice lo siguiente:
Adaptación de las memorias de J.R. Moehringer que relata los años de adolescencia del escritor creciendo en Long Island en busca de una figura paterna entre los clientes del bar de su tío.

SOUNDTRACK DE LA PELÍCULA
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Lady Bird

Una historia sensible, natural y realista.

Dramedia estadounidense de 2017 escrita y dirigida por Greta Gerwig, y protagonizada por Saoirse Ronan, la actriz estadounidense de origen irlandés que a pesar de no haber llegado a la treintena de edad ya reúne en su haber un Globo de Oro y cuatro nominaciones a los  Óscar, y que en esta ocasión da vida a Christine «Lady Bird» McPherson, el personaje protagonista.

Su creadora Greta Gerwig nacida en Sacramento (California) la misma ciudad en la que se desarrolla la acción, está considerada como una de las directoras emergentes con mayor proyección. Pertenece al género de la Mumblecore y protagonizó y colaboró en el guion de Frances Ha, junto a Noah Baumbach, comentada en este mismo blog. Actualmente está disponible en NETFLIX

Es imposible no enamorarse de esta joven de 17 años sensible e inteligente a pesar de no destacar en nada, que piensa en la universidad como la tabla de salvación que le permita salir de su entorno pueblerino y alcanzar entornos culturales que se acerquen a su ideario. Probablemente, haya algo de la guionista y directora en su personalidad porque aunque seguramente sus sentimientos son compartidos por muchas otras chichas y chicos, rara vez se encuentra contado de manera tan natural, cruda y sensible. Cuando fue preguntada al respecto afirmó que ella no era tan rebelde a su edad y que Ladyd Bird fue una heroína imperfecta que inventó.

A pesar de ser una película seria tiene momentos de comicidad inteligente que te hacen sentir bien. De alguna manera, contemplas a ese personaje pleno de defectos que continuamente busca apoyos porque necesita gustarse, luchando denodadamente por un futuro que todo parece indicar que no tendrá y deseas con todas tus fuerzas que lo logre, que se encuentre a sí misma y que desarrolle todo su potencial porque se lo merece.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 6,6 y una SINOPSIS que dice lo siguientes:

Christine (Saoirse Ronan), que se hace llamar «Lady Bird», es una adolescente de Sacramento en su último año de instituto. La joven, con inclinaciones artísticas y que sueña con vivir en la costa Este, trata de ese modo encontrar su propio camino y definirse fuera de la sombra protectora de su madre (Laurie Metcalf).

BANDA SONORA
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Annette

Drama en clave musical.

Película de 2021 dirigida por el cineasta francés  Leos Carax (siendo este su primer trabajo rodado en inglés), con guion firmado por los hermanos Mael (componentes de Sparks), autores de la banda musical, y él mismo para lo que se podría considerar un drama contado en clave musical.

Los primeros calificativos en positivo que se me ocurren aplicar son originalidad y sorpresa lo que no me deja de extrañar a mi mismo, porque para verla he tenido que vencer mi rechazo hacia los musicales como género cinematográfico. Y en negativo, su duración próxima a las dos horas y media, considero que se podía haber realizado sin perder calidad en 2 horas, pero parece que los directores consideran ese estándar como el único válido.

Justo acabando los créditos iniciales se escucha en off al director decir: «Damas y caballeros, les rogamos presten toda su atención. Si quieren cantar, reír, dar palmas, llorar, bostezar, abuchear o tirarse un pedo, por favor háganlo mentalmente, para sus adentros. Les pedimos amablemente que guarden silencio y aguanten la respiración hasta el final del espectáculo. No está permitido respirar durante la sesión, así que, por favor, cojan aire por última vez ahora.» Acto seguido comienza la música con contundente percusión y sonoridad subrayando un originalísimo desfile encabezado por el propio Leos Carax, seguido de todo el equipo, los músicos, actores, etc.

Es cierto que merece nuestra atención hasta el final para darnos cuenta de que aunque la música es magnífica, en este filme solo es un vehículo para contar una historia, como, por otra parte, ocurre en todo musical. Sin embargo, en un musical al uso, a pesar de la dureza de la historia, esta queda endulzada por la música y aquí no. Relata una apasionada historia de amor, desamor, tragedia y drama sin anestesia alguna a modo del teatro clásico griego y acaso de ahí esa entrada inicial de advertencia en off.

Son protagonistas Adam Driver y la actriz, cantante y compositora francesa Marion Cotillard. Destacando de manera especial para mi gusto el brillante trabajo de Adam. Se podría decir que este actor lo hace todo bien a no ser porque gracias a esta película se puede comprobar que lo de cantar no es lo suyo.

La fotografía y el lenguaje visual en general me parece deslumbrante, lo mismo que la dirección artística. Hay dos escenas sorprendentemente brillantes para mí. Una está rodada prácticamente sobre croma con la pareja bailando dentro de una tormenta mar adentro y la otra es un plano frecuencia que comienza con ellos apeándose de una preciosa motocicleta Triumph modelo América de gran cilindrada llegando a casa y termina en un cunnilingus en su cama.

Sobre esta película que podemos ver en FILMIN, se me ocurren muchas más cosas que decir, por ejemplo que el tema musical que la inicia, cuenta con más de un millón de escuchas en Spotify, pero simplemente prefiero solo recomendarla.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 6,5 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Henry es un monologuista cómico de humor incisivo. Ann, una cantante de renombre internacional. Centro de todas las miradas, juntos forman una pareja feliz rodeada de glamur. El nacimiento de su primogénita, Annette, una niña misteriosa con un destino excepcional, les cambiará la vida.

BANDA MUSICAL
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Kamikaze

Hay un antes y un después para todo

Miniserie danesa compuesta por 8 episodios de 30 minutos, dirigida por Kaspar Munk (Algo en que creer)sobre guion de Johanne Algren adaptando la novela Muleum de Erlend Loe. Se trata de la primera serie producida por la factoría HBO Max en Dinamarca, estrenada el pasado noviembre en la plataforma de streaming.

Julie es una encantadora y atractiva joven danesa de 18 años a la que la vida le sonríe en el más amplio sentido de la palabra. Se encuentra de compras con sus amigos y planeando una fiesta de cumpleaños cuando recibe una videollamada de su padre diciendo que están sufriendo un accidente a consecuencia del cual mueren tanto ellos como su único hermano. Es heredera de un emporio, pero está sola en el mundo, de modo que teniendo todo lo que una chica de su edad envidiaría se ve sumergida en un duelo extremo intentando encontrar sentido a su vida.

Dotada de un magnífico lenguaje visual, la serie es tan complicada y caótica como lo pueda ser el cerebro de una persona con intenciones suicidas. Y es que nuestro personaje protagonista finge empoderamiento e independencia hasta encontrar la manera de quitarse del medio, pero no consigue la manera de hacerlo a pesar del derroche de energía y dinero empleado.

En este sentido parece querer enviar un mensaje de esperanza a todos aquellos con tendencias suicidas: Al final del túnel acaso logres ver la luz. Marie Reuther la actriz danesa que da vida a Julie realiza un trabajo de primera por el que le fue otorgado el premio a la mejor actriz en el Festival Series Mania en Lille, Francia donde fue presentada. Me ha gustado y por ello recomiendo.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 5,8 a pesar de que solo han votado 132 personas hasta ahora y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Julie, de 18 años, se queda sola en una enorme casa vacía después de que sus adinerados padres y su hermano mueran en un accidente de avión. De ser una niña que aparentemente lo tenía todo, ahora debe reevaluar todo lo que consideraba importante en la vida.

BANDA SONORA
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Habitación 212

El amor es un lugar en común que bebe del pasado.

Película francesa de 2019 escrita y dirigida por  Christophe Honoré y protagonizada por  Chiara Mastroianni, hija de Marcello Mastroianni y Catherine Deneuve que realiza un excelente trabajo por el que ganó el premio a la mejor actuación en Cannes. Comparte elenco con el músico, compositor y actor francés Benjamin Biolay con el que estuvo casada en la vida real y con Vincent Lacoste, Camille Cottin, Carole Bouquet y Marie-Christine Adam. Se trata de una dramedia que podemos ver en FILMIN.

Una pareja sin hijos que ha convivido 20 años juntos, luego de una discusión sobre infidelidades, el personaje femenino, representando por Chiara Mastroianni decide abandonar contrariada el domicilio conyugal. De manera prematura, instalarse en una habitación del hotel que se encuentra al otro lado de la calle desde el que divisa su propia casa.

Sus recuerdos se hacen presentes y al tiempo que espía a su marido un hombre que ya no le resulta atractivo, convive con él, pero a la edad en que se conocieron. También se presentan otros personajes del recuerdo como la profesora de piano de su marido, su madre y Charles Aznavour. Una licencia cinematográfica que se permite el director y que resulta atractiva, en especial por los diálogos que mantienen. Por ejemplo, la profesora de piano dice de él: “Era un hijo de papá con la piel sucia y yo le limpié la mezquindad de su mundo. Esa porquería burguesa y esa fealdad genética, pero no la pude disfrutar porque te lo llevaste tú».

El lenguaje cinematográfico es fundamentalmente teatral con escenarios interiores, nieve artificial, pequeñas distancias y diálogos para reflexionar sobre la promiscuidad, los efectos de la erosión del tiempo en las relaciones de convivencia, los celos y el amor, ese lugar en común que bebe del pasado, donde lo que al principio era espontáneo, después va necesitando cada vez más estímulos. Otro filme francés que me apetece recomendar.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 5,6 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Tras 20 años de matrimonio, Maria decide dejarlo todo atrás y empezar una nueva vida. El primer paso es hospedarse en la habitación 212 del hotel que se encuentra enfrente a la casa en la que vive con su marido. Con el paso de las horas, se pregunta si ha tomado la decisión correcta.

SOUNDTRACK de la película
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