La luz de mi vida

Escenario distópico y post-apocalíptico causado por una pandemia.

Light of My Life (La luz de mi vida) es una película de 2019 escrita y dirigida por  Casey Affleck, el oscarizado actor por su interpretación en Manchester frente al mar, siendo este su segundo largometraje. Se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín el 8 de febrero de 2019 y actualmente está disponible en FILMIN y en HBO.

En mi opinión han intentado publicitarlo recordando en cierta medida la estética de On the Road, pero nada tiene que ver. Aquí Casey Affleck nos acerca a un escenario distópico y post-apocalíptico, un mundo devastado por una pandemia que afectó fundamentalmente al género femenino diezmando la población de mujeres, incluida la suya, a la cual prometió antes de morir que cuidaría de la hija de ambos, nacida en los momentos previos a la epidemia y que la defendería con su propia vida. Para hacerlo, siendo su hija de las pocas supervivientes femeninas, la hará pasar por chico y emprenderá una huida constante por carreteras vacías, transitando y acampando protegidos por la espesura de los bosques o en casas abandonadas.

El casting está compuesto en lo fundamental por el propio Casey y la niña Anna Pniowsky en el papel de su hija, una niña inteligente, ocurrente y simpática con la que mantiene continuos diálogos, cuentos por la noche, charlas morales y formativas durante el día, intentando transmitirle valores y reforzar su personalidad. Acción hay poca y sustancialmente para defender que nadie se acerque a ella por temor a que la hagan daño en un mundo compuesto por hombres violentos y necesitados de hembras. Eso es todo. Casey nos describe un hombre, honesto, cariñoso y respetuoso con las mujeres, tranquilo e inteligente que medita todo lo que hace a lo largo de la película, pero poco más encontraremos.

Al final, cuando llegaron los créditos me encontré confuso, sin saber el significado o la moraleja que pudiera extraer de los 117 minutos de rodaje. Se da la circunstancia de que Casey fue demandado por dos excompañeras de trabajo en 2010 por acoso sexual, episodio que se saldó de manera extrajudicial, poco después del rodaje de su primera película y desde entonces, transcurridos casi 10 años, esto es lo primero que hace y pensando en ello, como afirma en Filmaffinity Miguel Ángel Palomo, acaso se pueda entender la película en clave de disculpa o lavado de imagen social.

Cuenta con 6 puntos en Filmaffinity y una escueta SINOPSIS que dice lo siguiente:

Un padre y su hija están atrapados en el bosque después de que una pandemia mortal alterara radicalmente el mundo.

Soundtrack de la película en SPOTIFY:
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Otra ronda

El alcohol como coartada de una falsa felicidad

Otra ronda (Another round), aunque su título original en danés es Druk, que viene a significar beber hasta el límite, con el protagonismo de Mads Mikkelsen, llegó a nuestras salas de cine la última película del director danés Thomas Vinterberg, uno de los fundadores del movimiento «Dogma 95«, sobre guion firmado por él mismo y Tobias Lindholm su guionista de confianza.

Se estrenó en septiembre, tanto en el Festival Internacional de Cine de Toronto como en Dinamarca y ha recibido dos nominaciones por parte de la Academia de los Óscar, a mejor director y mejor película extranjera.

A quien conozca un poco la obra de Vinterberg quizá le pase como a mí, que espere algo más del espíritu de Cioran en esta película, pero se va a encontrar con un cine más condescendiente y convencional, fuera de la confrontación y casi a favor de lo tradicional, «en Dinamarca se bebe como cosacos ¿quién somos nosotros para juzgar eso?«. Es sabido que poco antes del comienzo del rodaje, un accidente de tráfico segó la vida de su hija de diecinueve años que iba a debutar como actriz en este filme y acaso eso pudiera justificar mi opinión anteriormente manifestada aunque solo es eso, mi opinión.

Utilizando el tópico de la crisis de los hombres cuando superamos los cuarenta, y una publicación del psiquiatra y filósofo noruego Finn Skårderud, cuatro profesores de instituto que en lo personal nada nuevo, ni especial esperan, ya que ocurra en su vida, deciden poner en práctica a modo experimental, un ligero aumento y de manera constante durante el día, del nivel de alcohol en sangre, para comprobar si con ello consiguen animarse a sí mismos y poder afrontar mejor tanto la enseñanza de jóvenes poco motivados como su anodina vida familiar, pero el experimento se les va de las manos y la cosa no sale como esperaban.

No obstante el que espere una posición clara a favor o en contra de la ingesta de alcohol no la va a encontrar, pero si encontrará un muy buen hacer como director en la ejecución, entretenimiento ágil y atractivo y un trabajo excelente por parte de los actores protagonistas, en especial de un Mads Mikkelsen en estado de gracia y en este sentido, no perderse los detalles del baile que se marca al final en el cual, según la parte femenina que habita en mí, resulta sumamente interesante todavía.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 7,2 y una SINOBSIS que dice lo siguiente:

Cuatro profesores de instituto se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel, durante su vida diaria, intentando demostrar de esa manera que pueden mejorar en todos los aspectos de su vida.

SoundTrack de Druk en SPOTIFY:
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Comentarios acerca de la película, realizados por Alejandro G.Calvo de Sensacine

Arima

Desconcertante y fascinante a partes iguales.

Película de 77 minutos escrita, producida y dirigida por la donostiarra actualmente afincada en Santiago de Compostela, Jaione Camborda que se estrenó en cines en 30 de enero pasado y ha llegado ahora a FILMIN. Se trata de su ópera prima y componen el reparto: Melania Cruz, Tito Asorey, Rosa Puga, Iria Parada, Mabel Rivera y la niña Nagore Arias.

La directora, después de una trayectoria de cortos experimentales como el documental A rapa das bestas y otros, con este su primer largo de ficción nos presenta Arima, que en la película corresponde al nombre de un karaoke entre nostálgico e ingenuo, pero que en la lengua materna de la creadora significa alma. Cine claramente de autor que marca la impronta de lo que será el futuro creativo de su autora y que fue rodado en Mondoñedo, al norte de la provincia de Lugo que, a decir de ella misma supuso un hallazgo por ensamblar con el imaginario que tenía establecido.

El espectador parece encontrarse ante un thriller psicológico, pero a mi juicio no lo es, por otra parte, carece de diálogos que conduzcan el argumento por lo que cuando se intenta explicar de que va, prácticamente no es posible hacer spoiler. Cuatro mujeres y una niña en un pueblo oscuro, cerrado por la niebla a ratos y por la vegetación a otros, reciben la visita de dos hombres, uno de ellos, acompañado de dos escandalosos perros, herido y con escopeta al hombro que dice ir en persecución de otro que es peligroso, pero al que nadie ha visto, tampoco el espectador, a excepción de la niña que dice hablar con un espíritu que vive abajo. Las mujeres hablan a modo de susurros tan bajos que no se entiende nada. La película no se explica por sí misma sino por imágenes que pueden no ser lo que se ve en realidad y que acaso solo representan temores, recuerdos vagos o anhelos. En la vida, habitualmente navegamos de manera natural entre cosas que desconocemos, tan solo suponemos sobre los demás que somos nosotros cuando el punto de vista es el de los ellos. Así desde el desconcierto de la madre que se mueve entre pensamientos ilusorios derivados de sus miedos o deseos no cumplidos como el niño desaparecido que acaso solo huyó, pero el recuerdo se ha olvidado intencionadamente. Uno tiene que guiarse subliminalmente ayudado solo por los sentimientos, intuiciones o presentimientos y suponer una realidad que será solo la nuestra.

El hecho de haber sido rodada en celuloide (16 mm.) indica desde el inicio, el camino de la apuesta estética de la autora y que su entendimiento se haya de componer con lo que se ve y con lo que uno intuye o se imagina, haga quizá que no sea una película precisamente indicada para la totalidad del público, sino más bien para aquellos que buscan en el cine algo más de lo que normalmente se le ofrece.

Cuenta con 5,8 puntos sobre 182 votos en Filmaffinity y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

La vida de cuatro mujeres y una niña que se ve alterada por la llegada inesperada de dos forasteros. Uno de ellos huye del otro, escondiéndose por el pueblo como un ser huidizo, fantasmagórico y de dudosa existencia. El otro, un hombre herido y con un arma, perturbará de diferentes formas el día a día de las mujeres, en una frontera entre lo real y lo imaginado, entre la pesadilla y el sueño, entre el miedo y el deseo, en una historia impregnada de misterio.

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Entrevista realizada a Jaione Camborda en el Festival de Sevilla.

Ramón Rey, entrevista a Jaione Camborda en noviembre de 2019.

The grandmaster

Biopic del maestro del mítico Bruce Lee

Mis limitados conocimientos de la cultura china en general y del kung-fu en particular me impone dificultades para hablar acerca The grandmaster la película dedicada a las artes marciales escrita y dirigida por  Wong Kar-wai en el año 2013, pero FILMIN ha dedicado una sección al director hongkonés y aprovecho para ver algunas que no pude en su día.

En principio parece tratarse de un biopic cuyo título original es Yi dai zong shi en torno al gran maestro de Wing Chun, Ip Man conocido sobre todo en occidente por haber sido el maestro del mítico Bruce Lee, al que da vida el actor  Tony Leung, que por no haber tenido contacto con las artes marciales hasta entonces, sin duda hubo de realizar un gran esfuerzo. No ocurre lo mismo con su compañera de reparto, la atractiva actriz Zhang Ziyi con conocimientos de danza y experiencia en trabajos anteriores como el Tigre y el Dragón del año 2000.

Independientemente de lo que pueda tener de ortodoxo el film, en cuanto a los combates o la lucha en sí para los aficionados o conocedores de este tipo de películas o disciplinas, The grandmaster lleva impreso el carácter, la técnica y el buen hacer del director chino y eso ya se aprecia en la primera secuencia una puesta en escena espectacular con una danza-lucha bajo una lluvia torrencial a ratos lenta a ratos rápida y con giros imposibles que avisa de lo que vendrá después. Como es habitual la fotografía es lo mejor a pesar de que en este caso el responsable es el francés Philippe Le Sourd y no el australiano-hongkonés Christopher Doyle, su habitual colaborador que lo fue también en 2046 o Deseando amar comentada aquí recientemente.

Desde mi punto de vista más que un biopic de Ip Man, lo que el director parece querer retratar es la época en la cual aquel maestro vivió, el periodo comprendido entre los años 1937 y 1945, cuando tuvo lugar la segunda guerra chino-japonesa, y de qué manera las artes marciales marcaron la filosofía de vida de los chinos, pero también, la diversidad y complejidad de esa gran nación; las diferencia entre el norte y el sur en lo que a técnicas marciales se refiere o incluso al clima y la rivalidad existente. E igualmente, sobre la irrupción de la modernidad, con la incorporación entre iguales de una luchadora en una comunidad de hombres, con imágenes de los interiores del burdel donde los maestros de la lucha se reunían. Y como no, su tema preferido el desamor o el amor imposible, negado desde el primer momento que no parece venir a cuento, pero que ahí está. En definitiva otra película con sello de autor para deleite de los seguidores de ese gran cineasta.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 6 puntos y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Un relato sobre las artes marciales y el alma de la civilización china. Dos maestros de kung fu, Ip Man (Tony Leung), el hombre que entrenó al mítico Bruce Lee, y la bella Gong Er (Zhang Ziyi) se reúnen en la ciudad natal de Ip Man en vísperas de la invasión japonesa de 1936. El padre de Gong Er, un gran maestro de renombre, también viaja a esa ciudad para la ceremonia de su jubilación, que tendrá lugar en el legendario burdel El pabellón de oro. Historia de traición, honor y amor que se desarrolla en la tumultuosa época que siguió a la caída de la última dinastía china, un tiempo de caos y guerra, pero también una época de oro de las artes marciales en China. 

SoundTrack de la película en SPOTIFY:
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Deseando amar

La esencia de un cine casi perdido

Fa yeung nin wa, conocida entre nosotros como «Deseando amar» es una película hongkonesa del año 2000 escrita, producida y dirigida por Wong Kar-wai y protagonizada por Maggie Cheung y Tony Leung Chiu Wai, que a partir de esta semana se puede ver en FILMIN.

Se repuso en cines a principio de año por su 20 aniversario y cuentan que una parte de la crítica la considera una de las mejores películas de todos los tiempos. A mí esto me parecen palabras mayores que nunca diría, porque en el caso de que mañana otra me guste más, no sabría como calificarla, acaso si lo sea dentro del cine asiático, pero no lo conozco tanto como para poderlo confirmar tampoco. De cualquier manera, se repone remasterizada y con mayor resolución y las imágenes que nos ofrece son lo mejor de lo mejor.

Ayudado de una fotografía extraordinaria, el director convierte los pasillos angostos de una casa y las calles oscuras y complicadas de una ciudad superpoblada en los escenarios de tomas que maravillan, formas bellas, insinuantes, eróticas y planos de cuerpos, gestos y formas que te conquistan continuamente. Narra la historia triste de un amor imposible porque lo hacen imposible los propios protagonistas, manteniéndolo latente en ese momento previo a que este se manifieste, como si temieran que se estropeara o ensuciara.

Maggie Cheung es muy atractiva, pero además está filmada con un halo de belleza sin mácula, primeros planos de perfil, de soslayo, casi imperceptibles, apenas insinuantes que cautivan y Tony Leung Chiu Wai que se llevó en el Festival de Canes el premio a la mejor interpretación masculina (yo se lo hubiera otorgado a los dos), se asemeja en su más alta expresión, a los atractivos galanes que se asomaban a las grandes pantallas de cine de mi juventud. La película son ellos fundamentalmente y la historia que viven en común, pero también es la luz, el color, los planos insinuantes y a media luz, es un todo, en definitiva esos casos raros de inspiración que logran en ocasiones los directores para que todo salga redondo.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 7,8 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Hong Kong, 1962. Chow, redactor jefe de un diario local, se muda con su mujer a un edificio habitado principalmente por residentes de Shanghai. Allí conoce a Li-zhen, una joven que acaba de instalarse en el mismo edificio con su esposo. Ella es secretaria de una empresa de exportación y su marido está continuamente de viaje de negocios. Como la mujer de Chow también está casi siempre fuera de casa, Li-zhen y Chow pasan cada vez más tiempo juntos y se hacen muy amigos. Un día, ambos descubrirán algo inesperado sobre sus respectivos cónyuges.

Esta es la canción que dio lugar al título de la película para el mundo anglosajón:
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Olive Kitteridge

Fácil de ver e imposible de olvidar.

Elizabeth Strout, escritora norteamericana nacida en Portland, gano el Premio Pulitzer en 2009 con su novela Olive Kitteridge (no traducida al castellano) cuya acción se desarrolla en Maine, en la costa atlántica del país y narra 25 años de la vida de la mujer que da nombre al título.

Posteriormente la magnífica actriz Frances McDormand cuyo nombre suena especialmente en estos días por el estreno en cines de Nomadland, compró los derechos de la novela para acto seguido presentar el proyecto a HBO, elegir a Jane Anderson para adaptar el guion, a Lisa Cholodenko para dirigirlo y al excelente actor Richard Jenkins como pareja de reparto protagonista, materializándose así la miniserie de 4 episodios de una hora cada uno que mantiene el nombre original de la novela y con la que nos podemos deleitar como no podía ser de otra manera en HBO.

Olive Kitteridge es por lo tanto una miniserie hecha por mujeres, pero no solo para mujeres, que nos describe esa América de la soledad de la que nos hablaba Tennesse Williams y tantos otros escritores norteamericanos de prestigio y aunque no es habitual encontrar a una mujer protagonista tan aparentemente depresiva o desconsiderada a ratos y tan hosca en otros con la propia familia, a la que parece exigir más que a nadie y que hace dudar al marido en un momento dado de que lo vaya a abandonar y se lo pregunta, ella responde «Por el amor de Dios, le das ganas de vomitar a cualquiera” y sigue a lo suyo. No obstante y ahí radica la genialidad de Frances McDormand, además de mostrarnos las características de un personaje así, nos va desplegando, a medida que transcurren las escenas, sus otras muchas cualidades hasta convertirlo en otro ser interesantísimo de explorar hasta el final.

La verdad es que no solo su papel es elogiable, también otros fueron dignos de recibir un merecido Emy, como Richard Jenkins, por supuesto o, John Gallagher dando vida a su hijo de adulto, Jesse Plemons que siempre está bien, Cory Michael Smith en representación ya adulto del hijo de su vecina, ambos afectados por algún tipo de enfermedad mental y Bill Murray. Un elenco de actores que convierten esta serie en una de las mejores, si no la mejor según mi opinión. Y aunque en principio no está anunciado nada más, el hecho de que la escritora haya publicado una secuela, podría dar lugar a que HBO y este equipo se embarquen en algo más posteriormente.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 7,7 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Miniserie de TV (2014). 4 episodios. La protagonista es Olive Kitteridge (Frances McDormand), una profesora de matemáticas de mediana edad que trabaja en un pequeño pueblo de Maine (Nueva Inglaterra) y que está casada con Henry (Richard Jenkins), un farmacéutico de buen corazón. Basada en la novela de Elisabeth Strout, galardonada con el premio Pulitzer. 

SoundTrack Mix en Spotify:
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Nomadland

Víctimas de la depresión económica en la era Trump

Fern, a la que da vida la multi galardonada actriz Frances McDormand, es una víctima de la depresión económica en la era Trump y por añadidura ha perdido a su marido en Nomadland, este drama social de 108 minutos que ha escrito y dirigido la cineasta norteamericana de origen chino Chloé Zhao basándose en la novela homónima de Jessica Bruder, una periodista de Nueva Jersey que encontrándose en excedencia, pasó tres años viajando junto a una comunidad nómada estadounidense, que sin pensiones ni ayudas subsistía haciendo trabajos mal pagados por todo el país.

No es que no tenga donde vivir, le dice Fer a una niña que la interroga, es que no tengo casa que no es lo mismo, porque vive en una furgoneta acondicionada para recorrer parte de EE.UU. haciendo trabajos por aquí y por allá, pernoctando en estacionamientos de Amazon o en pleno desierto con el objetivo de sobrevivir con dignidad. Poco parece que se pueda añadir como crítica a una película que ya cuenta con galardones internacionales y varias nominaciones a los Óscar excepto que a mi juicio tiene un excesivo aire documental y se podrían haber ahorrado 30 minutos de rodaje. Por lo demás el trabajo no solo de Frances McDormand, que se echa sobre las espaldas toda la responsabilidad, poniendo su buen hacer al servicio de la directora y elevando la película hasta donde se encuentra, sino que el resto de las actuaciones como la de David Strathairn, y la fotografía de unos excelentes paisajes consiguen una atmósfera por momentos subyugantes. En este momento se encuentra en cartelera.

Cuenta en filmaffinity con una puntuación de 7,2 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Una mujer, después de perderlo todo durante la recesión, se embarca en un viaje hacia el Oeste americano viviendo como una nómada en una caravana. Tras el colapso económico que afectó también a su ciudad en la zona rural de Nevada, Fern toma su camioneta y se pone en camino para explorar una vida fuera de la sociedad convencional, como nómada moderna. 

SoundTrack de la película en SPOTIFY:
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Alejandro G. Calvo de Sensacine, analiza ‘Nomadland’, la película de Chloé Zhao protagonizada por Frances