Ariaferma

Cine argumental sin adrenalina.

Película italiana estrenada en los cines de aquel país en octubre del pasado año y llegada a España recientemente vía streaming a través de FILMIN. Ha sido dirigida por Leonardo Di Costanzo, siendo también autor del guion, junto a Bruno Oliviero y Valia Santella.

Se trata de un drama carcelario, no al uso, en el sentido de adolecer de la acción y violencia que se acostumbra a exhibir en ese tipo de cine. Por el contrario, es un filme argumental con poca adrenalina, pero interesante donde los haya, tanto por el relato en sí, como por su ejecución.

Sin embargo, resulta triste pensar el poco público que hoy en día está dispuesto a devanarse el cerebro con un cine tan profundo y tan próximo al teatro dramático clásico, lo que se suele traducir en una baja taquilla. Esto obliga a destacar su mayor atractivo: No es un cine pensado para todo el mundo.

La trama, bien explicada en la sinopsis de Filmaffinity, se basa en un hecho concreto a la vez que ficticio según el cual, una vieja y lúgubre prisión que ha sobrevivido, dentro de la precariedad del sistema penitenciario, gracias al mantenimiento, y las pequeñas reformas a que fue sometido, va por fin a ser desalojado y los funcionarios se encuentran al principio del filme, celebrando este hecho. Sin embargo, la directora les anuncia en ese mismo momento que por cuestiones burocráticas, para 12 presos no hay plazas en el penal al que va destinada la mayoría hasta dentro de unos días, cuya cuantía no se puede concretar y al efecto, ha dispuesto que se queden unos cuantos funcionarios al cuidado de ellos durante ese tiempo. La película de 117 minutos de duración relata lo acontecido esos días, y la transformación de las conductas cuando la proximidad de carceleros y reclusos se estrecha y surge la parte humana de los hombres.

Cuenta con un plantel extraordinario de actores, encabezado por dos monstruos italianos de la interpretación: Toni Servillo (La grande bellezza) y Silvio Orlando (The Young Pope), ambas de Sorrentino, aunque ellos mismos reconocen en una entrevista que nunca trabajaron juntos hasta en esta ocasión. Tan solo el duelo dialéctico y escénico planteado entre los personajes por ellos representados, el primero funcionario y el segundo recluso, ya justifica por sí mismo ver la película.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 6,6 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Una antigua prisión del siglo XIX, ubicada en una zona inaccesible e indeterminada del territorio italiano, está siendo abandonada. Por problemas burocráticos, los traslados están bloqueados, y quedan alrededor de una docena de presos, con pocos agentes, esperando nuevos destinos. En esa atmósfera extraña, poco a poco, las reglas parecen tener cada vez menos sentido, los protocolos se relajan y se vislumbran nuevas formas de relación entre los hombres que allí quedan.

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Drive my car

Maravillosa oda a la vida.

Drive my car es una película dramática de producción japonesa, dirigida por  Ryūsuke Hamaguchi que es además autor del guion junto a Takamasa Oe. Fue estrenada en 2021, galardonada en los Óscar como mejor película internacional y podemos encontrarla en FILMIN. El guion está basado en el cuento homónimo de Haruki Murakami que abre su libro de relatos «Hombres sin mujeres» editado en 2014. Son actores protagonistas: Hidetoshi Nishijima, Tōko Miura, Masaki Okada y Reika Kirishima.

No resulta sencillo hablar de un filme en el que la trama no importa tanto como lo que no se dice, lo que se ve y lo que se siente. Las obras completas de Antón Chéjov editadas en papel biblia, rodaban por mi casa en una etapa de mi adolescencia en la que el sufrimiento y las tendencias suicidas poblaban mi mente y me gusta pensar que gracias a Chéjov y Ciorán logré por fin, ver una luz al final del negro túnel en el que me encontraba sumido. En esta película, «El tío Vaina» la obra dramática por excelencia de Chéjov también es una constante y algo similar a lo que me ocurría leyendo al célebre autor, siento al terminar de ver esta película. Como dice el personaje principal, Chéjov es horroroso y nunca sales indemne de sus textos. Así yo también parezco sentirme diferente y por ello, por plasmar las primeras impresiones, me apresuro a escribir este texto antes de volver a verla, lo que haré en breve.

La película dura 3 horas, cosa que siempre induce al rechazo y la pereza en el espectador. En lo que a mí respecta, siempre he pensado que si no puedes contar una historia en hora y media de cine, empieza de nuevo o desiste, sin embargo, fui anotando qué escena o escenas se podrían suprimir o reducir para acortar el tiempo final y no se me ocurre ninguna. Pero, además de no encontrar nada de lo que poder prescindir, es que no se me hizo larga, de hecho, pasó mucho más rápido que otras a las que me he enfrentado de menos duración.

Dejarse impregnar por la luz, la música, la fotografía o los grandes silencios y planos generales, casi estáticos, mientras un texto poblado de matices te invade, ha resultado para mí una experiencia casi mística. Por otra parte, Hamaguchi habla de manera desbordante del amor, la infidelidad, la perdida de seres queridos, el sentimiento de culpa y como superarlo, pero sobre todo de la necesidad de continuar hacia delante a pesar del peso y las taras de sufrimiento que la vida te va incorporando, utilizando en cierta manera ese viejo Saab rojo de techo corredizo como símbolo de esa continuidad. En definitiva, una obra muy bella que me cuesta calificar como obra maestra porque me llevo mal con esa terminología, pero considero que toda persona amante del séptimo arte debe ver.

Cuenta en Filmaffinity con 7,1 puntos y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Pese a no ser capaz de recuperarse de un drama personal, Yusuke Kafuku, actor y director de teatro, acepta montar la obra «Tío Vania» en un festival de Hiroshima. Allí, conoce a Misaki, una joven reservada que le han asignado como chófer. A medida que pasan los trayectos, la sinceridad creciente de sus conversaciones les obliga a enfrentarse a su pasado. 

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Comentarios de FERNANDA SOLÓRZANO

El blues de Beale Street

Dicen que hay que vivir la vida que te toca para que tus hijos puedan ser libres

If Beale Street Could Talk que en el mercado hispano se conoce como El blues de Beale Street es una película de 2 horas de duración escrita y dirigida por Barry Jenkins, creador de «El ferrocarril subterráneo» y «Moonlight» de las que hemos hablado en este mismo blog.

Se estrenó en 2018, está basada en la novela homónima de James Baldwin y se encuentra actualmente disponible en FILMIN. Comienza con esta cita de la novela del creador de la historia original: «Beale Street es una calle de Nueva Orleans en la que nacieron mi padre, Luis Armstrong y el jazz. Cualquier persona negra nacida en EE. UU., lo hizo en Beale Street, aunque haya nacido en Jackson, Mississippi o Harlem. Beale Street es nuestro legado. Esta novela trata sobre la imposibilidad, la posibilidad y la necesidad imperativa de expresar este legado. Beale Street es una calle ruidosa. Queda a discreción del lector encontrar sentido al ritmo de los tambores.( James Baldwin )».

Aunque fue Regina King quien obtuvo un Óscar en 2019 a mejor actriz de reparto por este filme, una excelente dirección de actores consigue que todos queden muy bien.

Se trata de una historia de amor, una más con obstáculos en el camino, a no ser por el trabajo del tándem formado por estos cineastas de lujo que son Jenkins  y Laxton dando muestra una vez más de su talento a la hora de crear un lenguaje visual único. El juego de planos y contraplanos, color, luz y una excelente banda musical responsabilidad de Nicholas Britell, consiguen generar una poesía que enamora y que recuerda inevitablemente el cine de Wong Kar-Wai. La recomiendo como una buena película.

de

Cuenta con 6,6 puntos en Filmaffinity y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Basada en la novela de James Baldwin, «If Beale Street Could Talk», la película sigue a Tish, una mujer de Harlem embarazada y recién prometida que lucha contrarreloj para demostrar la inocencia de su pareja. 

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Diego Maradona

El pelusa, una vida de otro mundo.

Documental dirigido por el cineasta británico de ascendencia india  Asif Kapadia, estrenado en el Reino Unido en 2019 y que se puede ver actualmente en FILMIN.

De los tres trabajos que de alguna manera han elevado a kapadia a la categoría de excelente documentalista biográfico, Senna, Amy (del que hablamos recientemente en este mismo blog) y el que hoy comentamos dedicado al astro argentino; este último es el que más me gusta.

El documental sigue la línea de los otros dos a que hacía referencia en cuanto a ejecución y orden de cosas. Más de dos horas de documentación entre imágenes, audios y tomas de vídeo en su mayor parte conocidas, pero que, expuestas en la medida y el orden elegido por el cineasta, resultan muy interesantes y esclarecedoras para quien desee acercarse tanto al mito como al hombre, sin ser necesariamente futbolero, como es mi caso.

Maradona nace en Villa Fiorito un pueblo o localidad al sur del Gran Buenos Aires que en la época que hablamos, carecía de agua corriente, alcantarillado o asfaltado y de eso se hace eco el documental en primer lugar para que el espectador entienda que su infancia no solo fue difícil, sino condicionante para el resto de su vida. Diego afirma en un audio que únicamente soñaba con jugar en un campo de primera, comprar una casa decente a sus padres y salir de aquel agujero para siempre. Pasa de puntillas por su estancia en Barcelona donde al parecer no fue feliz y se adentra en toda la etapa siguiente a partir de su llegada a Nápoles.

Salvando las distancias habría una cierta similitud entre la gran ciudad de Nápoles y Villa Fiorito en el sentido de lugares deprimidos sin aparente futuro y Diego desarrolla un empeño especial en dotar de confianza a la gente con lo único que sabía hacer, jugar al fútbol. En su ideario, lo que le permitió salir de su pueblo, podía devolver la ilusión a la ciudad de Nápoles.

Así comienza a configurarse el mito de un hombre que a mi modo de ver solo era inteligente con la pelota. Sin ser mal chico, en lo personal era mentiroso, ignorante, irresponsable y quizá por ello sucumbió a consecuencia de su propio éxito. El director no escatima a la hora de relatar los distintos acontecimientos de su vida con el mérito de no caer en amarillismos ni en morbo

Cuenta con 7 puntos en Filmaffinity y una escueta SINOPSIS que dice lo siguiente:

Documental construido sobre la base de 500 horas de metraje inédito, acerca de la carrera y la vida del aclamado y controvertido futbolista argentino Diego Armando Maradona.

SOUNDTRACK del DOCUMENTAL
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Annette

Drama en clave musical.

Película de 2021 dirigida por el cineasta francés  Leos Carax (siendo este su primer trabajo rodado en inglés), con guion firmado por los hermanos Mael (componentes de Sparks), autores de la banda musical, y él mismo para lo que se podría considerar un drama contado en clave musical.

Los primeros calificativos en positivo que se me ocurren aplicar son originalidad y sorpresa lo que no me deja de extrañar a mi mismo, porque para verla he tenido que vencer mi rechazo hacia los musicales como género cinematográfico. Y en negativo, su duración próxima a las dos horas y media, considero que se podía haber realizado sin perder calidad en 2 horas, pero parece que los directores consideran ese estándar como el único válido.

Justo acabando los créditos iniciales se escucha en off al director decir: «Damas y caballeros, les rogamos presten toda su atención. Si quieren cantar, reír, dar palmas, llorar, bostezar, abuchear o tirarse un pedo, por favor háganlo mentalmente, para sus adentros. Les pedimos amablemente que guarden silencio y aguanten la respiración hasta el final del espectáculo. No está permitido respirar durante la sesión, así que, por favor, cojan aire por última vez ahora.» Acto seguido comienza la música con contundente percusión y sonoridad subrayando un originalísimo desfile encabezado por el propio Leos Carax, seguido de todo el equipo, los músicos, actores, etc.

Es cierto que merece nuestra atención hasta el final para darnos cuenta de que aunque la música es magnífica, en este filme solo es un vehículo para contar una historia, como, por otra parte, ocurre en todo musical. Sin embargo, en un musical al uso, a pesar de la dureza de la historia, esta queda endulzada por la música y aquí no. Relata una apasionada historia de amor, desamor, tragedia y drama sin anestesia alguna a modo del teatro clásico griego y acaso de ahí esa entrada inicial de advertencia en off.

Son protagonistas Adam Driver y la actriz, cantante y compositora francesa Marion Cotillard. Destacando de manera especial para mi gusto el brillante trabajo de Adam. Se podría decir que este actor lo hace todo bien a no ser porque gracias a esta película se puede comprobar que lo de cantar no es lo suyo.

La fotografía y el lenguaje visual en general me parece deslumbrante, lo mismo que la dirección artística. Hay dos escenas sorprendentemente brillantes para mí. Una está rodada prácticamente sobre croma con la pareja bailando dentro de una tormenta mar adentro y la otra es un plano frecuencia que comienza con ellos apeándose de una preciosa motocicleta Triumph modelo América de gran cilindrada llegando a casa y termina en un cunnilingus en su cama.

Sobre esta película que podemos ver en FILMIN, se me ocurren muchas más cosas que decir, por ejemplo que el tema musical que la inicia, cuenta con más de un millón de escuchas en Spotify, pero simplemente prefiero solo recomendarla.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 6,5 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Henry es un monologuista cómico de humor incisivo. Ann, una cantante de renombre internacional. Centro de todas las miradas, juntos forman una pareja feliz rodeada de glamur. El nacimiento de su primogénita, Annette, una niña misteriosa con un destino excepcional, les cambiará la vida.

BANDA MUSICAL
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Habitación 212

El amor es un lugar en común que bebe del pasado.

Película francesa de 2019 escrita y dirigida por  Christophe Honoré y protagonizada por  Chiara Mastroianni, hija de Marcello Mastroianni y Catherine Deneuve que realiza un excelente trabajo por el que ganó el premio a la mejor actuación en Cannes. Comparte elenco con el músico, compositor y actor francés Benjamin Biolay con el que estuvo casada en la vida real y con Vincent Lacoste, Camille Cottin, Carole Bouquet y Marie-Christine Adam. Se trata de una dramedia que podemos ver en FILMIN.

Una pareja sin hijos que ha convivido 20 años juntos, luego de una discusión sobre infidelidades, el personaje femenino, representando por Chiara Mastroianni decide abandonar contrariada el domicilio conyugal. De manera prematura, instalarse en una habitación del hotel que se encuentra al otro lado de la calle desde el que divisa su propia casa.

Sus recuerdos se hacen presentes y al tiempo que espía a su marido un hombre que ya no le resulta atractivo, convive con él, pero a la edad en que se conocieron. También se presentan otros personajes del recuerdo como la profesora de piano de su marido, su madre y Charles Aznavour. Una licencia cinematográfica que se permite el director y que resulta atractiva, en especial por los diálogos que mantienen. Por ejemplo, la profesora de piano dice de él: “Era un hijo de papá con la piel sucia y yo le limpié la mezquindad de su mundo. Esa porquería burguesa y esa fealdad genética, pero no la pude disfrutar porque te lo llevaste tú».

El lenguaje cinematográfico es fundamentalmente teatral con escenarios interiores, nieve artificial, pequeñas distancias y diálogos para reflexionar sobre la promiscuidad, los efectos de la erosión del tiempo en las relaciones de convivencia, los celos y el amor, ese lugar en común que bebe del pasado, donde lo que al principio era espontáneo, después va necesitando cada vez más estímulos. Otro filme francés que me apetece recomendar.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 5,6 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Tras 20 años de matrimonio, Maria decide dejarlo todo atrás y empezar una nueva vida. El primer paso es hospedarse en la habitación 212 del hotel que se encuentra enfrente a la casa en la que vive con su marido. Con el paso de las horas, se pregunta si ha tomado la decisión correcta.

SOUNDTRACK de la película
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Un amor imposible

Algún día te preguntarás cómo has podido querer a alguien como yo.

Película francesa de 2018 dirigida por  Catherine Corsini que también es la autora del guion adaptado de la novela homónima de Christine Angot en el que está basada. Está protagonizada por Virginie Efira y Niels Schneider que realizan un excelente trabajo, en especial ella. La cinta está disponible en la plataforma FILMIN.

La acción comienza con la voz de una niña que narra la historia de sus padres. Esta narración en off será una constante que nos acompañará a lo largo de la película y que ayuda a adentrarse en la historia. En principio todo indica que nos encontramos ante el típico relato romántico. Una pareja formada por una chica humilde que trabaja en una oficina de una ciudad de provincias y un parisino atractivo de clase burguesa que momentáneamente está ocupado como traductor para los americanos a finales de los cincuenta. Se enamoran y de la pasión que viven nace una niña que a la postre, como decía, es la narradora, pero que en el transcurso de la acción adquiere mucho protagonismo.

Todo parece convencional, pero la historia se complica mucho, hasta convertirse en un intenso drama marcado por las diferencias sociales y por la ley no escrita del convencionalismo que impone la cultura del patriarcado. Porque con el paso del tiempo, el patriarcado ha desposeído a la mujer de todo sentido de independencia, para sustituirlo por el de la humildad, la humillación, e incluso la vergüenza que se manifiesta en la autocensura a la hora de expresarse cuando se encuentra en presencia de hombres, tanto si son familiares o no. En un momento de la película, cuando la chica ha abandonado ya todo atisbo del amor ideal en el que en principio creyó, él la espeta esta frase: «Algún día te preguntarás cómo has podido querer a alguien como yo»

En este sentido, creo que se trata de un filme feminista, exponente de unos cambios necesarios en nuestra sociedad que afortunadamente se están produciendo.

En cuanto al resto de valores cinematográficos, considero que cuenta con una buena fotografía, buena música y buena dirección artística tanto en lo visual como en la narrativa y los diálogos teniendo en cuenta que comienza en los años cincuenta para terminar en la fecha actual.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 6,4 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

A finales de los años 50, Rachel, una modesta oficinista de la pequeña ciudad de Châteauroux, conoce a Philippe, un joven brillante de familia burguesa. De este romance breve e intenso nace la pequeña Chantal, pero Philippe se niega a casarse fuera de su clase social. En adelante sus vidas serán moldeadas por el amor incondicional entre una madre y su hija, eclipsada por el amor imposible de una mujer por un hombre que la rechaza, y de una hija por un padre ausente y abusivo.

BANDA MUSICAL DE LA PELÍCULA
TRAILER DOBLADO