Los amores imaginarios

La única verdad es el amor irracional (A. de Musset)

Heartbeats (Latidos) es el título original en ingles de esta película canadiense, conocida en francés como Les amours imaginaires, estrenada en 2010 y escrita, dirigida y protagonizada por Xavier Dolan, al que acompañan en el reparto, Monia Chokri, Niels Schneider, Anne Dorval  y Anne-Élisabeth Bossé.

Nos encontramos claramente con un cine de autor que personalmente me dice poco, pero esta es una consideración absolutamente personal que solo puede ser considerada como tal, porque la película está bien hecha, bien interpretada y se rige por un guion interesante y entretenido.

Se trata de un triángulo amoroso entre una chica y dos chicos. Inicialmente son una pareja de amigos al que se añade un tercero descompensando el equilibrio por convertirse en el oscuro objeto del deseo de ambos, un ser inalcanzable, indiferente, lo que le hace irresistible y aunque parece que ambos lo quieran atraer para unir al grupo en realidad cada uno lo quiere para sí.

En la película y a través del relato de rupturas y desencuentros del que su grupo de amigos se hace eco, se habla mucho del rechazo, y del dolor que este provoca por cuanto el rechazo y el desamor son mayoritarios. Además todos, según su creador, tenemos un amor imaginario preconcebido por lo que no tanto nos enamoramos del individuo como tal, como lo vemos, sino por las coincidencias con nuestras expectativas o deseos.

En un momento dado se habla de la Escala de Kinsey que establece siete diferentes grados de comportamientos sexuales, lo que añade una dificultad más a la ya de por sí dificultosa tarea de establecer relaciones de pareja. La música es tan importante que si no existiera estaríamos hablando de algo muy diferente. Está actualmente disponible en FILMIN.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 6,7 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

En Montreal, tres amigos íntimos se ven involucrados en un triángulo amoroso. Marie (Monia Chokri) y Francis (Xavier Dolan) conocen un día a Nick (Niels Schneider), un chico recién llegado del campo. Pronto empieza a surgir entre ellos un vínculo sentimental. 

BANDA SONORA DE LA PELÍCULA
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El lado oscuro del corazón

¿Cómo dejar que te quieran sin que te falte el aire?

El lado oscuro del corazón es el título de una película coproducida entre Argentina y Canadá dirigida por Eliseo Subiela y protagonizada por Darío GrandinettiSandra BallesterosNacha Guevara, en los principales papeles que fue estrenada en 1995 y que podemos ver en FILMIN, remasterizada y digitalizada en 4K gracias al programa impulsado por la plataforma de Directores Argentinos Asociados en su intento por preservar el patrimonio cinematográfico argentino.

El guion está basado en poemas de  Oliverio Girondo con el añadido de poemas sueltos de Mario Benedetti y Juan Gelman.

No se trata de una película fácil, al contrario, pero tampoco es más difícil que encontrar el amor. Perdono cualquier cosa, dice el poeta joven que recorre la ciudad en busca de romper con la soledad en la que le sumergió el desengaño y las malas experiencias, como siempre, como ahora, como será en el futuro. Y lo hace emulando a Mario Benedetti  y su poema Táctica y Estrategia.

Táctica y Estrategía en la voz de Mario Benedetti

Con un desplante en el trabajo, la visita a un burdel en el que tres hermosas mujeres interpretan una parodia de las tres carabelas de colón y un cameo del propio Mario Benedetti recitándole una estrofa en alemán a una prostituta, comienza “El lado oscuro del corazón”. Si bien se darán otros cameos similares a lo largo del metraje.

Toda ella tiene algo de surrealismo y de verdad que se manifiesta a través de la metáfora, y el realismo mágico; consiguiendo que la poesía que envuelve las palabras parezca en todo momento que nos cuentan mucho más de lo que en realidad cuentan. Y con puestas en escena que navegan entre la extravagancia y el absurdo, durante la búsqueda airada y sin escrúpulos se enamora de una prostituta, no saliendo indemne del encuentro. Pero si pese a todo, -le recita el poeta-, no puedes evitarlo y te quedas inmóvil al borde del camino. Y te salvas. Entonces, no te quedes conmigo.

Amar es difícil porque ¿Cómo amar sin poseer? ¿Cómo dejar que te quieran sin que te falte el aire? Amar es un pretexto para adueñarse del otro, para volverlo tu esclavo, para transformar su vida en tu vida, ¿cómo amar sin pedir nada a cambio, sin necesitar nada a cambio?

Casi siempre, el error que cometemos es pensar solo en lo que nos pasa a nosotros; que nada de lo del otro puede ser tan importante como eso que sentimos, y esa contradicción suele ser trágica -dice él-. Porque otro error común es querer que el otro sea como queremos que sea y no como es -dice ella- y cuando nos damos cuenta, a veces es demasiado tarde.

La recomiendo aunque creo que la película ha envejecido mal en lo social, porque los tiempos han cambiado y hoy no se entienden los aspectos machistas que afloran en el filme. Por otra parte existe una secuela con el título «El lado oscuro del corazón 2» del año 2001 que no he visto y sobre la que lógicamente no opino.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 7,3 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Oliverio es un poeta treintañero que sobrevive editando poesía comercial mientras recorre Buenos Aires. Lo único que desea es encontrar a la mujer de sus sueños, que le comprenda y que le haga volar. En Montevideo, conoce a Ana, una prostituta de la que se enamora.

SoundTrack de la película en SPOTIFY:
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The assistant

Todos somos culpables

The Assistant (La asistente) es una película estadounidense de 2019, escrita y dirigida por la australiana  Kitty Green y magistralmente protagonizada por  Julia Garner a la que ya vimos en series como Modern Love y Ozark, e inspirada en los casos de abusos contra Harvey Weinstein que supusieron prácticamente el fin de su carrera como productor.

Pero no se trata de un falso documental sobre unos hechos probados, nada más lejos de eso. Se trata sencillamente de una jornada de trabajo, interminable eso sí, de una chica que se incorporó dos meses antes en el departamento de producción de una gran productora de cine en la cual, su jefe es tan poderoso que nunca vemos su cara por lo que el espectador tan solo atisba su presencia como si de un ser omnipresente se tratara para que, de alguna manera nos hagamos partícipes del mismo temor que sienten en general los empleados a perder su empleo, en lo que a mi juicio, la directora practica una jugada maestra para que nos involucremos e incluso nos sintamos culpables de unos abusos no explícitos, que nos obliga a imaginar.

Todo está tan magníficamente planeado e interpretado que no podemos perder un momento de atención ni un renglón de los escuetos y casi inexistentes diálogos por lo que recomiendo visualizarla en versión original y así podremos leerlos sin perder una letra. Con frecuencia protesto porque los directores suelen meter más metraje de lo necesario para contar la historia por eso me creo en la obligación de decir que no sobra, ni falta un segundo en los 87 minutos mejor aprovechados que he vivido en el cine y a pelo, sin música.

Algunos han criticado que en la película no pasa casi nada para justificar su aburrimiento lo que no puedo entender, porque nos da una sencilla explicación a modo de ejemplo, de cómo es posible que haya llegado indemne el patriarcado hasta hoy, hasta que el movimiento «Me Too» lo puso en solfa. Otros críticos como Boyero la han puesto a parir completamente, negando la mayor, lo cual sí comprendo, porque el abuelo se ha convertido en un viejo verde insoportable a la vez de cretino y de cuyos comentarios hace tiempo que no me fio.

Con frecuencia, cuando salen a la luz pública abusos de poder, violaciones sistemáticas de derechos, maltrato en el seno familiar, en el trabajo o hacia los animales, solemos preguntarnos de manera hipócrita cómo nadie lo denunció o lo detuvo, cómo fue que nadie se enterara, y lo hacemos aún sabiendo como sabemos, que la mayoría miramos hacia otro lado para evitar implicarnos. Pues de eso también habla la película. Hay una escena en el ascensor en la cual, una ejecutiva, percatándose del sufrimiento de la chica, le dice no te preocupes demasiado, que a lo mejor saca más en limpio ella que él, resumiendo en parte todo lo que digo.

Está disponible en FILMIN y tanto si es hombre como mujer, yo de ustedes no me la perdería, porque todos tenemos la obligación de terminar cuanto antes con esta rémora por el bien del conjunto de la ciudadanía.

Cuenta en este momento en Filmaffinity con una puntuación de 6,2 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Jane (Julia Garner) es una recién graduada universitaria y aspirante a productora de cine que consigue un trabajo aparentemente ideal como asistente de un poderoso ejecutivo de la industria del entretenimiento. Su día es muy similar al de cualquier otro asistenta: preparar café, cambiar el papel en la fotocopiadora, ordenar el almuerzo, organizar viajes, recibir mensajes telefónicos, etc. Pero a medida que Jane sigue su rutina diaria, es cada vez más conscientes del abuso que colorea insidiosamente cada aspecto de su jornada laboral, una acumulación de degradaciones contra las cuales Jane decide adoptar una posición, quizás solo para descubrir la verdadera profundidad del sistema en el que ella ha entrado.

Fernanda Solórzano de LETRAS LIBRES habla en «Cine aparte» de The assistant
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La luz de mi vida

Escenario distópico y post-apocalíptico causado por una pandemia.

Light of My Life (La luz de mi vida) es una película de 2019 escrita y dirigida por  Casey Affleck, el oscarizado actor por su interpretación en Manchester frente al mar, siendo este su segundo largometraje. Se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín el 8 de febrero de 2019 y actualmente está disponible en FILMIN y en HBO.

En mi opinión han intentado publicitarlo recordando en cierta medida la estética de On the Road, pero nada tiene que ver. Aquí Casey Affleck nos acerca a un escenario distópico y post-apocalíptico, un mundo devastado por una pandemia que afectó fundamentalmente al género femenino diezmando la población de mujeres, incluida la suya, a la cual prometió antes de morir que cuidaría de la hija de ambos, nacida en los momentos previos a la epidemia y que la defendería con su propia vida. Para hacerlo, siendo su hija de las pocas supervivientes femeninas, la hará pasar por chico y emprenderá una huida constante por carreteras vacías, transitando y acampando protegidos por la espesura de los bosques o en casas abandonadas.

El casting está compuesto en lo fundamental por el propio Casey y la niña Anna Pniowsky en el papel de su hija, una niña inteligente, ocurrente y simpática con la que mantiene continuos diálogos, cuentos por la noche, charlas morales y formativas durante el día, intentando transmitirle valores y reforzar su personalidad. Acción hay poca y sustancialmente para defender que nadie se acerque a ella por temor a que la hagan daño en un mundo compuesto por hombres violentos y necesitados de hembras. Eso es todo. Casey nos describe un hombre, honesto, cariñoso y respetuoso con las mujeres, tranquilo e inteligente que medita todo lo que hace a lo largo de la película, pero poco más encontraremos.

Al final, cuando llegaron los créditos me encontré confuso, sin saber el significado o la moraleja que pudiera extraer de los 117 minutos de rodaje. Se da la circunstancia de que Casey fue demandado por dos excompañeras de trabajo en 2010 por acoso sexual, episodio que se saldó de manera extrajudicial, poco después del rodaje de su primera película y desde entonces, transcurridos casi 10 años, esto es lo primero que hace y pensando en ello, como afirma en Filmaffinity Miguel Ángel Palomo, acaso se pueda entender la película en clave de disculpa o lavado de imagen social.

Cuenta con 6 puntos en Filmaffinity y una escueta SINOPSIS que dice lo siguiente:

Un padre y su hija están atrapados en el bosque después de que una pandemia mortal alterara radicalmente el mundo.

Soundtrack de la película en SPOTIFY:
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The grandmaster

Biopic del maestro del mítico Bruce Lee

Mis limitados conocimientos de la cultura china en general y del kung-fu en particular me impone dificultades para hablar acerca The grandmaster la película dedicada a las artes marciales escrita y dirigida por  Wong Kar-wai en el año 2013, pero FILMIN ha dedicado una sección al director hongkonés y aprovecho para ver algunas que no pude en su día.

En principio parece tratarse de un biopic cuyo título original es Yi dai zong shi en torno al gran maestro de Wing Chun, Ip Man conocido sobre todo en occidente por haber sido el maestro del mítico Bruce Lee, al que da vida el actor  Tony Leung, que por no haber tenido contacto con las artes marciales hasta entonces, sin duda hubo de realizar un gran esfuerzo. No ocurre lo mismo con su compañera de reparto, la atractiva actriz Zhang Ziyi con conocimientos de danza y experiencia en trabajos anteriores como el Tigre y el Dragón del año 2000.

Independientemente de lo que pueda tener de ortodoxo el film, en cuanto a los combates o la lucha en sí para los aficionados o conocedores de este tipo de películas o disciplinas, The grandmaster lleva impreso el carácter, la técnica y el buen hacer del director chino y eso ya se aprecia en la primera secuencia una puesta en escena espectacular con una danza-lucha bajo una lluvia torrencial a ratos lenta a ratos rápida y con giros imposibles que avisa de lo que vendrá después. Como es habitual la fotografía es lo mejor a pesar de que en este caso el responsable es el francés Philippe Le Sourd y no el australiano-hongkonés Christopher Doyle, su habitual colaborador que lo fue también en 2046 o Deseando amar comentada aquí recientemente.

Desde mi punto de vista más que un biopic de Ip Man, lo que el director parece querer retratar es la época en la cual aquel maestro vivió, el periodo comprendido entre los años 1937 y 1945, cuando tuvo lugar la segunda guerra chino-japonesa, y de qué manera las artes marciales marcaron la filosofía de vida de los chinos, pero también, la diversidad y complejidad de esa gran nación; las diferencia entre el norte y el sur en lo que a técnicas marciales se refiere o incluso al clima y la rivalidad existente. E igualmente, sobre la irrupción de la modernidad, con la incorporación entre iguales de una luchadora en una comunidad de hombres, con imágenes de los interiores del burdel donde los maestros de la lucha se reunían. Y como no, su tema preferido el desamor o el amor imposible, negado desde el primer momento que no parece venir a cuento, pero que ahí está. En definitiva otra película con sello de autor para deleite de los seguidores de ese gran cineasta.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 6 puntos y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Un relato sobre las artes marciales y el alma de la civilización china. Dos maestros de kung fu, Ip Man (Tony Leung), el hombre que entrenó al mítico Bruce Lee, y la bella Gong Er (Zhang Ziyi) se reúnen en la ciudad natal de Ip Man en vísperas de la invasión japonesa de 1936. El padre de Gong Er, un gran maestro de renombre, también viaja a esa ciudad para la ceremonia de su jubilación, que tendrá lugar en el legendario burdel El pabellón de oro. Historia de traición, honor y amor que se desarrolla en la tumultuosa época que siguió a la caída de la última dinastía china, un tiempo de caos y guerra, pero también una época de oro de las artes marciales en China. 

SoundTrack de la película en SPOTIFY:
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Deseando amar

La esencia de un cine casi perdido

Fa yeung nin wa, conocida entre nosotros como «Deseando amar» es una película hongkonesa del año 2000 escrita, producida y dirigida por Wong Kar-wai y protagonizada por Maggie Cheung y Tony Leung Chiu Wai, que a partir de esta semana se puede ver en FILMIN.

Se repuso en cines a principio de año por su 20 aniversario y cuentan que una parte de la crítica la considera una de las mejores películas de todos los tiempos. A mí esto me parecen palabras mayores que nunca diría, porque en el caso de que mañana otra me guste más, no sabría como calificarla, acaso si lo sea dentro del cine asiático, pero no lo conozco tanto como para poderlo confirmar tampoco. De cualquier manera, se repone remasterizada y con mayor resolución y las imágenes que nos ofrece son lo mejor de lo mejor.

Ayudado de una fotografía extraordinaria, el director convierte los pasillos angostos de una casa y las calles oscuras y complicadas de una ciudad superpoblada en los escenarios de tomas que maravillan, formas bellas, insinuantes, eróticas y planos de cuerpos, gestos y formas que te conquistan continuamente. Narra la historia triste de un amor imposible porque lo hacen imposible los propios protagonistas, manteniéndolo latente en ese momento previo a que este se manifieste, como si temieran que se estropeara o ensuciara.

Maggie Cheung es muy atractiva, pero además está filmada con un halo de belleza sin mácula, primeros planos de perfil, de soslayo, casi imperceptibles, apenas insinuantes que cautivan y Tony Leung Chiu Wai que se llevó en el Festival de Canes el premio a la mejor interpretación masculina (yo se lo hubiera otorgado a los dos), se asemeja en su más alta expresión, a los atractivos galanes que se asomaban a las grandes pantallas de cine de mi juventud. La película son ellos fundamentalmente y la historia que viven en común, pero también es la luz, el color, los planos insinuantes y a media luz, es un todo, en definitiva esos casos raros de inspiración que logran en ocasiones los directores para que todo salga redondo.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 7,8 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Hong Kong, 1962. Chow, redactor jefe de un diario local, se muda con su mujer a un edificio habitado principalmente por residentes de Shanghai. Allí conoce a Li-zhen, una joven que acaba de instalarse en el mismo edificio con su esposo. Ella es secretaria de una empresa de exportación y su marido está continuamente de viaje de negocios. Como la mujer de Chow también está casi siempre fuera de casa, Li-zhen y Chow pasan cada vez más tiempo juntos y se hacen muy amigos. Un día, ambos descubrirán algo inesperado sobre sus respectivos cónyuges.

Esta es la canción que dio lugar al título de la película para el mundo anglosajón:
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La isla más hermosa

Hablamos de un film que aporta poco.

Su título original es «Most beautiful island«, está disponible en FILMIN y se trata de una película estadounidense, escrita, dirigida, producida e interpretada en su papel protagonista por la actriz madrileña Ana Asensio, siendo este su debut como directora.

Un drama psicológico que ha obtenido algunas nominaciones y menciones en el circuito independiente, pero el hecho de que sea de bajo coste, conlleva una mala fotografía, tomas descuidadas, sonido que no llega y un guion pobre que nos habla del sueño americano por lo que tampoco es demasiado original, ya que ese bluf ha sido tratado demasiado y desde todas las vertientes, por lo tanto, si añadimos que no me gusta demasiado ese tipo de cine que apunta al terror quedándose en el camino, se puede entender que no me haya gustado un pimiento. No obstante, y de la misma manera considero que a los que sí les guste, los que frecuentan el cine de terror y son aficionados a «los thrillers» psicológicos, les puede satisfacer.

Cuenta en Filmaffinity con una puntuación de 6,2 y una SINOPSIS que dice lo siguiente:

Luciana (Ana Asensio) es una española sin papeles en Nueva York, cuya precaria situación económica la lleva a aceptar un trabajo bien remunerado y aparentemente sencillo. Sin embargo, pronto descubrirá el lado más cruel de la ciudad de sus sueños.

SoundTrack de la película en spotify:
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